Plano B

Salvem a KODAK

2012-01-20T05:59:00.001-08:00

De todas as notícias assustadoras que vislumbro no jornal todas as manhãs, uma das que mais me assustou foi a da possível falência da maior empresa de filme negativo do mundo.

Não queria entrar nos méritos da “notícia”. Mas já entrando… com seu título sensacionalista ou simplesmente determinista, em que o jornalista parece decidir o destino antes mesmo de decisões serem tomadas (O fim de um era.). Não há dúvida na frase. Um ponto seco. Tot.

Eu não quero nostalgia. Não quero linhas do tempo ressaltando os bons momentos desta “doce jornada”, ou entrevistas com fotógrafos que dizem sentir pena de ver esta grande empresa saindo de suas vidas. Ela, que cresceu com eles e lhes proporcionou tantos conhecimentos antes da era digital vir para solucionar todos os problemas. (rhm rhm, não)

Impressionante como tudo depende do enfoque que se dá né? Publicitários e jornalistas são os que mais usam e abusam desta categoria.

O jornal de hoje, através de sua folha inteira com notícias relacionadas ao “fim da era”, traz como motes duas premissas, que ficam na cabeça no leitor como certezas: 1 - já acabou. 2 – quaisquer vestígios de pena e nostalgia são compreensíveis, mas as pessoas “devem” entender que é apenas isso, porque como o fotógrafo entrevistado diz, a fotografia digital veio para resolver tudo.

Cheguei ao ponto que queria, discutir a validez deste argumento tão raso, mas tão repetido como mantra: a era digital é uma evolução da era analógica.

Isso é uma grande besteira.

Não sou anti digital, não tenho nada contra o surgimento de novas técnicas. Pelo contrário, quanto mais possibilidades, melhor para o usuário. O que nego é a crença completamente injustificada de que o digital veio para suplantar o analógico, por ser melhor, ou mais eficaz.

São duas maneiras DIFERENTES. De fazer, de se chegar aos resultados, de experienciar.

É completamente diferente ir ao cinema e assistir um filme no computador, assim como é diferente ouvir um vinil e um mp3, ler um livro ou um e-book e fotografar analogica ou digitalmente.

Os rituais são diversos, os tempos, o manejo, as expectativas, etc.

Sem contar com uma das melhores coisas, a qualidade. Fita K7, vídeo, dvd, cd, disquete, bla bla bla. Tudo isso vem e vai, mas os bons e velhos vinis e películas permanecem sendo as maneiras mais fiéis de se registrar e, sobretudo, confiáveis de se guardar informação. São processos materiais, que dependem apenas de processos físicos e químicos, mágica que acontece diante de nossos olhos.

Não estou dizendo para voltarmos a escrever em máquinas de escrever. Mas que exista essa possibilidade pra quem quer.

Sei que vivemos num mundo capitalista e que a KODAK, assim como outras empresas, devem seguir as regras de demanda e oferta e toda essa idiotice que a gente finge fazer sentido. Mas se existe a chance dela continuar, através de um perdão das dívidas, que seja com apoio de pessoas como nós, que seja com torcida organizada, que seja com ajuda, com dicas para solucionar.

É possível pensar que deve ter sido difícil conformar os gastos de uma empresa deste porte, com o baque que sofreu e numa velocidade tão rápida quanto foram os últimos vinte anos.

É preciso pensar em medidas. Usar lucros de outras áreas (impressoras, as próprias máquinas digitais) para sustentar os gastos dos filmes, por exemplo. Sectorizar, criar novos mecanismos de escoamento da produção. Fazer parceria com a LOMO, que aumenta suas vendas cada vez mais, e tudo através de um pensamento de estilo de vida analógico. Tudo isso e muito mais pode fazer parte de um plano de recuperação. Não quero caridade para a KODAK. “coitadinha, vamos levar pro abate ou dar uns aninhos de vida”? NÃO!

Quero que se entenda que pra muitas pessoas essa tecnologia “antiga” faz diferença, uma grande diferença. Que algo que provou seus resultados tantas vezes merece apoio, merece a chance de ser (re)conhecido pelas próximas gerações.

Há certas coisas que valem a pena salvar! There are some things worth saving. Admito que o uso hoje em dia é quase irrisório em comparação a quantidade de filmes vendidos antes. Claro, hoje em dia a maioria das pessoas têm máquinas digitais. Muitos jovens nem nunca usaram uma câmera analógica. Como também, muito estão se interessando e indo atrás das velhas tecnologias, seja pela experiência, seja pelo movimento hipster, por curiosidade, por nostalgia, ou simplesmente por acreditarem que os produtos antigos e algumas de suas técnicas possuem não só características diferentes, que possibilitam outros resultados, como têm uma resistência ao tempo muito maior. “Feitos pra durar”

Não há porque uma coisa acabar com a outra. Elas devem conviver.

Não vamos deixar que a pressa, a necessidade (inventada) de resultados rápidos e a vontade de custos mais baixos acabem com a nossa liberdade de escolha (no plano simbólico) e com uma das maiores representantes dessa técnica fantástica (no plano prático).

Passeando por Buenos Aires

2011-04-24T13:32:00.000-07:00

Fui uma das últimas pessoas que conheço que resolveu se render a tentação de ir a Buenos Aires. No início de março resolvi aproveitar que tinha duas amigas estudando lá e convenci minha mãe a fazer esse passeio comigo.

Sinto-me envergonhada de dizer que, aos 24 anos, este foi o primeiro país da América Latina que visitei. Bom, nunca é tarde pra começar.
Depois de 10 dias de viagem, das inevitáveis compras e de muito andar e fotografar, tenho algumas recomendações para aqueles que, mais tardios do que eu, pensam em aproveitar o baixo custo de cruzar a ponte Brasil Argentina.

Algumas das dicas mais comuns são: a Praça de Maio, onde fica a casa Rosada; o Caminito; San Telmo e Palermo; Tigre; Galerias Pacífico; Café Tortoni; Livraria El Ateneo; O Museu MALBA; a Rosa; …

Todos foram interessantes. Uns mais do que outros. San Telmo, por exemplo, foi um de meus bairros favoritos pra andar. O dia mais indicado é aos domingos, quando há uma feirinha super legal, cujo centro parece a nossa Feira de antiguidades da Praça XV e as extremidades já contêm produtos mais atuais, coisas muito interessantes, frequentemente artesanais que você só vai encontrar lá. Mas independentemente, este é um bairro agradável em qualquer dia. Para os cinéfilos, a Universidade del Cine fica numa das ruazinhas deste bairro e passa gratuitamente filmes todas as quintas feiras a noite. Ah! e a estátua da Mafalda sentadinha, muito graciosa também se encontra numa dessas ruas.
Enquanto San Telmo lembra um pouco a Lapa e Santa Teresa, Palermo seria a Ipanema de Buenos Aires. Cheia de lojas cool, com roupas e sapatos lindos, restaurantes estilosos e pessoas bonitas, este bairro é uma perdição pra quem quer fazer compras e também oferece uma feirinha, só que aos sábados.

Um restaurante muito bacana é o Moo, que tem todo um clima anos 50 e milkshakes incríveis! A loja de sapatos e bolsas Puro (Jorge Luis Borges 2184-Guatemala and Paraguay-zapatillaspuro.com.ar) também é uma boa.
Há também uma lindíssima papelaria em Palermo (Papelera Palermo) – Calle Honduras 4945, repleta de material para aqueles interessados em fazer seus próprios cadernos ou estampas. Para os que vão permanecer vários dias, a papelaria oferece oficinas para aprender técnicas de pintura, encadernação, etc.
Há muitos festivais de cinema e de música rolando o ano inteiro. Quando eu estava lá, havia o 2o Festival Independente de Tango. No último dia, fizeram uma milonga ao ar livre após o término da feirinha de SanTelmo. Vários pares desconhecidos se formaram imediatamente pra bailar o Tango.

Além disso, se você quer dançar, há muitos locais diferentes todos os dias em diversos horários que oferecem aulaspor uma média de 20 pesos por dia. Um site que pode ajudar nisso é http://www.buenosairesmilongas.com/
Eu, por exemplo, assisti uma aula de bebop, muito bacana.
Atrações como a Praça de Maio, Tigre, o Caminito, as Galerias Pacífico na calle Florida, a Livraria El Ateneo, O Museu MALBA e a Rosa são tranquilamente condensadas em atividades paralelas de dois três dias.
El Ateneo é realmente linda, mas uma livraria cara. Por isso recomendo olharem os muitos sebos da Calle Uruguay (próximo a estação de Metrô Uruguay).
A Recoleta, onde se encontram a Rosa e o Malba é um bairro bastante residencial sem muitas opções mais econômicas de lazer. Se assemelha um pouco ao Leblon no quesito caro e chique.

Já o Caminito foi um lugar ótimo para comprar lembrancinhas, mas o clima turístico é um pouco opressor. Há restaurantes por toda a rua com pessoas te chamando o tempo todo pra sentar e assistir, seja o Tango ou as apresentações de outras danças típicas.
As Galerias Pacífico lembram as Galerias Lafayette, em Paris. Lindo por dentro, mas bastante caro.
Já a Calle Florida oferece todo tipo de produto que variam entre preços justos, mais baratos do que no Brasil ou caros ainda assim. Os vendedores ambulantes espalham seus produtos ao longo da rua a partir das 4 horas da tarde mais ou menos, todos os dias. Vale a pena conferir.
O famoso Café Tortoni é realmente um local agradável. Por incrível que pareça, não é muito mais caro do que o normal. Ótimo para tomar um chá ou comer um pedaço de quiche. Os garçons são super ágeis e prestativos.
O charme do local é irresistível, então não se preocupem, eles estão super acostumados com pessoas entrando para tirar fotos.
Já em relação a Tigre, pode-se chegar pelo trem normal, por menos de 3 pesos. Quando se chega lá você tem a opção de passear de barco ou catamarã, ou de ficar e aproveitar a feira do Porto das Frutas. Ambos passeios interessantes.

O mais legal mesmo é andar, pegar onibus, conhecer a cidade e seus cantos.
Um dos melhores dias foi quando encontrei alguns argentinos e depois de conversarmos num bar em um bairro chamado Almagro, fomos a um clube assistir uma Peña (tem um sentido parecido de uma milonga, mas com danças e ritmos regionais de outras parte da Argentina). As danças eram lindas e o clima ótimo. Todos nós fomos super bem acolhidos.
Em geral minhas dicas são essas. Espero que tenha interessado tanto aqueles que nunca foram quanto aqueles que querem fazer uma nova visita.

Graffiti

2011-01-31T12:58:00.000-08:00

Bom dia!
enquanto escrevo sobre "Amor e outras drogas", deixo aqui algumas fotos de graffitis. Estou numa fase bastante deslumbrada pelas intervenções urbanas. Espero que gostem.

Em Algum Lugar - Sofia Coppola

2011-01-29T11:46:00.000-08:00

Parece haver um interesse em comum nos últimos filmes de Sofia: a desmistificação de certos símbolos. No caso de Maria Antonieta o interesse era mostrar que por trás do título de realeza e dos livros de história, a personagem mulher era mais complexa e sua vida continha mais do que algumas falas lendárias. Não vou entrar no mérito deste filme inteiramente e apenas dizer que, assim como em Somewhere, acredito que Sofia falhou e exagerou em seu intuito de subverter os valores estabelecidos.
“Em algum lugar” narra através de sequencias longas e um tanto entediantes alguns dias na vida de um famoso ator de Hollywood. Stephen Dorf interpreta Johnny Marco, que parece estar em meio ao período de divulgação de seu mais novo filme e disfrutando de diversas regalias, tais como um carro esporte, uma assessora que o telefona sempre que há algum compromisso, viagens pagas, estadia num hotel luxuoso e exclusivo, etc.
O filme é dividido em dois momentos, um prólogo de introdução ao personagem, onde presenciamos sua entediante existência e o período em que sua filha de 11 anos fica hospedada com ele. As três primeiras sequências do filme, uma antes dos créditos e duas logo depois já nos dão de bandeja informações que servirão como base de todo o resto. Na primeira, Johnny gira em círculos com seu carro numa estrada deserta, quase como numa metáfora de sua vida, que não o está levando a lugar nenhum, que é apenas um girar sem propósito. Logo depois, temos a cena em que Johnny machuca o pulso, levando-o ao gesso no braço que o acompanhará por quase toda a narrativa, também possivelmente uma metáfora deste imprisionamento, desta condição transitória, e a cena das gêmeas loiras dançando uma coreografia sexy para Johnny enquanto este adormece. É isso. Nestas três cenas temos um resumo bastante preciso do que veremos no resto do filme: tédio e banalidade que tentam ser mais do que isso.
Acho bacana esta motivação de apresentar um ator de Hollywood como apenas mais uma pessoa, com questões semelhantes as de qualquer um e de subverter a crença de que por este ser rico e rodeado de mordomias, seria uma pessoa feliz e completa. Nem mesmo interessante ele é. Sofia quer mostrar que não existe o glamour que as pessoas pensam. É uma vida bastante vazia. E solitária. Por mais que haja uma mulher por dia, pelo menos, se oferecendo a ele, no fim da noite, ele está sozinho novamente. Até sexo se tornou desinteressante para esta personagem.
Ok. Tais motivações ficaram claras, mas a que custo?
O tempo narrativo vagaroso, os planos sem conteúdo e os diálogos banais dão forma a este tédio ensurdecedor do filme, que diferente de “Encontros e Desencontros”, não encontra nenhuma inspiração, nenhum tom de profundidade ou de aprendizado.
Além disso, outra questão que me incomoda bastante é o fato destes personagens serem tão desinteressantes. Não há carisma, não há nada que realmente mantenha o espectador na poltrona querendo assistí-los. E a tentativa de dar profundidade psicológica aos mesmos e de igualar seus problemas e inquietações aos de qualquer um não convence. Dá quase vontade de rir, quando a filha de Johnny chora e demonstra inseguranças e para lidar com isso ele vai para Las Vegas. “Tudo bem se atrasar um pouco, porque é só chamar um helicóptero pra buscá-los depois”. Essa posição de coitadinho não cola. As cenas e as atuações são rasas demais para que eu me comova com este ator entediado em seu carro esporte.
A relação de pai e filha, que deveria ser o ponto de transformação é levado a um nível tão banal que não possui a força necessária.
Alguns dos melhores momentos são os de interação deste ator com o cotidiano esdrúxulo relacionado a profissão: o programa de TV italiana, a conferência de imprensa, o molde para efeitos especiais, as fotos de promoção com sua colega de trabalho no filme, etc. Nisto, acho que o humor e a ironia ainda são um ponto forte da roteirista.
Quase tudo no filme pode ser justificado ou interpretado em um campo simbólico. Mas isso não o torna um bom filme. Apenas coerente.

A última cena ilustra bem a personagem, que parece saber que está sendo filmada e se comporta como num filme. Sai do carro no meio de uma estrada pois está deixando tudo pra trás, está indo se encontrar, está se livrando das amarras e das certezas, todos estes possíveis clichês.
Por essas e outras, é um pouco decepcionante ver como a diretora regrediu desde “Encontros e Desencontros”, que deveria ser uma evolução, já que foram escritos ao mesmo tempo e possuem temas tão próximos.
Ainda assim, acredito em seu potencial e fico ansiosa para descobrir um outro bom filme seu.

Festival do Rio 2010 - parte 2

2010-10-14T05:55:00.000-07:00

Copacabana
Nome estranho para um filme francês… Diferente de possíveis expectativas, o título vem de um fascínio da personagem central, interpretada por Isabelle Hupert, por músicas brasileiras.
Um “feel good movie”, um filme “safe”, que não corre riscos. Conta a história de uma mulher nos seus 50 anos, que depois de ter viajado bastante, vivido muitas histórias e conhecido muitas pessoas, se vê no momento de conseguir um emprego para, dentre outros motivos, ser levada a sério por sua filha de 20 e poucos anos, que depois de ter vivido todo este tempo se deslocando, quer estabilidade e segurança e se possível, distanciar-se ao máximo dos modos liberais e espalhafatosos de sua mãe. É uma simples inversão de valores: a mãe, protótipo da ex hippie, que se veste alternativamente, deve dinheiro aos amigos e que não sabe lidar bem com responsabilidades, em oposição a filha, conservadora, que vai se casar com um cara certinho e que se sente envergonhada de ter uma mãe assim.
Chega o momento então de Isabelle Hupert provar para sua filha que pode ser uma pessoa responsável, confiável e que consegue manter um emprego por mais de uma semana. Para isso, acaba passando um pouco por cima de certos valores, mas de seu jeito se adapta a nova vida.
É bom ver um filme leve, de comédia com essa grande atriz francesa, que acaba muitas vezes presa ao esterótipo de papéis pesados e dramáticos.
A visão do Brasil segue deturpada e idealizada, como em tantos filmes estrangeiros, e o encaixe da trilha sonora na montagem, por sinal cheia de canções brasileiras ótimas, é um tanto deslocado, mostrando que apesar de haver um interesse, não há grande entendimento da nossa cultura.
Mais um filme francês que eu encaixo na categoria “Simpáticos” e que oferecem boa distração.

Cópia Fiel - isto é apenas uma pincelada no que pode ser dito sobre este filme.

Filme mais recente de Abbas Kiarostami, pelo qual Juliette Binoche ganhou o prêmio de melhor atriz em Cannes, “Copie Conforme” como no original, envolve uma série de questões e possíveis reflexões, embaladas por atuações fantásticas, timing delicioso entre silêncios e falas, desenvoltura na relação entre os personagens, uma decupagem precisa e escolhas estéticas de luz e enquadramentos maravilhosas. Ainda preciso assistí-lo mais vezes para poder explorar melhor os temas abordados, mas de forma rasa, posso apontar a questão mais óbvia, tema do livro do ator masculino central: a arte e a relação entre a cópia e o original, que também acaba abordando a questão de autor e de gênio. Além disso, temos uma lenta transformação da relação dos personagens que acaba confundindo o espectador, que se perde entre invenção e realidade. Não sabemos mais se o que está acontecendo é um jogo entre os dois ou algo que não nos foi revelado. De qualquer forma, isto não parece ser algo importante e sim o simples fato desta mistura ser possível através do cinema. Que me traz a outro tema: ficção e documental, linha esta que sempre atraiu Kiarostami em sua forma de construir os filmes: seja através da escolha de não atores, ou da improvisação, ou o uso de câmeras digitais e o aspecto cru e espontâneo da imagem, ou o aparecimento da equipe de filmagem na tela, ou até mesmo o tema que parece forçar esta barreira, a obra de Kiarostami sempre esteve no limiar destas duas linguagens, nos mostrando que é impossível saber o que é real ou não e até mesmo que não existe o real, existe apenas representação.
Além de todas as questões, pode-se dizer, filosóficas, há a simples, que de simples não tem nada, relação entre o homem e a mulher, que parece ser a mais intrigante e misteriosa do filme.
Todos estes aspectos, combinados com os elementos técnicos que mencionei antes, se juntam para formar um filme excelente e delicioso de se assistir.

Cortina de Fumaça
Pode se dizer que o filme se divide em duas partes. A primeira metade é um estudo detalhado sobre o histórico e as diversas funções da Canabis, planta que dá origem a maconha. Desde seu uso religioso passando pelos medicinais e aos mais comerciais, esta seção do filme tenta desmentir certos mitos em torno da maconha, desbancando-os um por um e mostra que ela não apresenta tantos riscos e malefícios, como costuma ser divulgado na mídia. O filme mostra também que a planta faz parte da história do homem e chega a revelar que temos até mesmo uma parte do cérebro, de nossas ligações nervosas, voltada diretamente para receber impulsos da droga. Enfim, é interessante, mas em dado momento, a edição se concentra numa feira de produtos extraídos da canabis e o filme se prende a um lado da comercialização de seus subextratos por bastante tempo. Mais interessante é vermos médicos defendendo a planta como benéfica em diversos casos de doenças como câncer, dentre outras.
Curiosidades de lado, a conclusão desta primeira parte é que quase nunca temos todas as informações necessárias para julgarmos algo como bom ou ruim. Além disso, nem sempre esta, que é considerada uma droga prejudicial, apresenta realmente apenas malefícios para o homem. Ressalta-se também que, como muitos sabem, a maconha não apresenta riscos de overdose, não mata neurônios e causa bem menos danos que drogas legalizadas como o álcool ou o cigarro.
A partir daí, passamos para a segunda parte do filme, onde entramos numa discussão mais centralizada, que concerne o Rio de Janeiro, o Brasil e a legalização das drogas. Através de entrevistas com advogados, policiais, médicos e especialistas em geral, temos um panorama de diversas áreas e suas posições em relação ao sistema de proibição que vivemos hoje. Mais uma vez temos uma contextualização histórica interessante, que mostra o estopim da Guerra as drogas, iniciada por Nixon nos Estados Unidos nos anos 60. Acompanhamos a falta de informação por parte da mídia e a hipocrisia na forma de lidar com o tema, não só em nosso país como ao redor do mundo.
Podemos concluir instintivamente que dentre aqueles que não apóiam a legalização das drogas, existem as pessoas que têm medo do desconhecido, aquelas que lucram ou se beneficiam de certa forma com a proibição e as mais conservadoras que não querem nem ouvir falar do assunto. Infelizmente o filme não apresenta estes pontos de vista, que poderiam gerar uma discussão interessante e um confronto de argumentos, tanto favoráveis quanto desfavoráveis. Por ser unilateral e defender apenas o ponto de vista “liberal”, ele se apresenta como um manifesto, político e social, que se pretende como porta voz de uma mudança necessária no nosso modo de encarar o tema e se possível, um porta voz de mudanças no próprio sistema.
Para defender a liberação, temos argumentos como o de:
Liberdade de escolha – quando o dano é individual, cada um deve poder escolher o que fazer consigo mesmo.
O absurdo que é a situação em torno da legislação das drogas – quase sempre quem é preso são os bandidos menores, que superlotam cadeias e são facilmente substituídos na cadeia alimentar do tráfico. Sem contar que essas pessoas, quando soltas, não possuem nenhuma perspectiva de sair desta vida.
A maconha como principal foco do tráfico – sabe-se que a maior parte do consumo de drogas aqui é a maconha, que como demonstrado na primeira parte, não é esse bicho de sete cabeças. Os outros tipos são consumidos por cerca de 2% da população mundial e é um pouco absurdo criar legislações tentando controlar o que estes 2% fazem, ainda mais, em detrimento deles mesmos e não de outros.
A conclusão de que do jeito que está não dá – a luta entre polícia e traficantes é uma maneira injusta, cruel e ineficiente de conter os danos causados. Além disso, as próprias UPPs, que parecem apresentar uma forma um pouco melhor de combate, sem o uso excessivo da violência, é uma medida muito concentrada em favelas da Zona Sul.
Etc…
Não acho este assunto simples e não acredito em uma solução fácil, mas concordo que do jeito que está não dá. Ficar insistindo no erro não vai nos levar a lugar nenhum. Por isso, espero que o filme seja visto por muitos e possa gerar democratização da informação e debates e quem sabe, até propostas de mudança.

Curling
Denis Coté foi eleito por mim como o melhor convidado do Festival. Simpático, tranquilo, autosuficiente, engraçado e aberto para conversas de bar, Denis fez sucesso entre aqueles que trabalharam comigo no hotel ou pessoas do receptivo, que o acompanharam em suas atividades diárias. Conversamos sempre em francês. “Tenho que ter cuidado pra não falar rápido demais, senão você não vai entender nada” – disse ele me prevenindo de seu sotaque canadense de Montreal.
Aprendi um pouco sobre o panorama do cinema canadense, que aparentemente produz bastante, considerando o tamanho de seu país, ou melhor, de sua área, porque existe claramente, segundo ele, uma divisória entre a parte francofônica e a anglofônica.
Frequentador de festivais assíduo, Denis já viajou pra diversos países, mas era sua primeira vez no Brasil. Alto, com tatuagens em ambos os braços e bem branquinho, não se incomodou com o tempo fechado. “Não sou do tipo que adora praia.” Em contrapartida, se encantou em conversar sobre futebol bebendo cerveja Antartica no baixo Botafogo com autênticos brasileiros.
Mas vamos ao filme.
Curling é seu sexto longametragem e aquele que mais demorou para fazer. Os outros 5 foram realizados em 5 anos total e este demorou 3 anos desde o roteiro até ser finalizado. Denis diz não saber muito bem de onde sai a inspiração para escrever. Ele tem uma idéia meio solta e começa a desenvolver daí.

Basicamente o filme fala de dois personagens, pai e filha, que vivem a margem da sociedade. Pessoas alheias ao mundo que não sabem se relacionar muito bem com o que lhes é externo. A filha não vai a escola e é educada pelo pai, por isso não tem amigos. O pai é um homem calado, que trabalha num ringue de boliche.
Denis disse que, sendo um país muito frio, em que durante os meses do inverno quase ninguém quer sair nas ruas e um clima de tédio se instala, o Canadá é cheio dessas pessoas, que parecem se esconder em suas casas. Ficou intrigado com isso e resolveu criar algo em cima desta premissa.
O filme cria muito bem essa noção de distanciamento da realidade, através de seu timing, da troca entre silêncios e diálogos, da forma fria com a qual a menina fala da mãe chamando-a pelo nome (Rosie), dos estranhos rituais que os personagens mantêm em seus cotidianos, das atuações fantásticas dos dois que passam inexpressividade e quase indiferença através do olhar. Além disso, o filme nos oferece elementos de estranhamento que podem ser interpretados de diversas maneiras. Essa multiplicidade de interpretações e até mesmo a diversidade de gostos é algo que agrada Denis. “Eu adoro quando vejo que as pessoas estão pensando em coisas completamente diferentes sobre meu filme. Se em uma platéia de 200 pessoas, todas estiverem batendo palmas no final, aí sim temos um problema. Isso não seria normal.”
Ao longo do tempo, os personagens vão passando por mudanças sutis até chegarem a uma certa urgência de se aproximarem do mundo lá fora. Me agrada muito a autenticidade com a qual ele consegue tratar deste tema ligeiramente convencional (mudança do personagem) - através de um processo que é mostrado de forma delicada, ao mesmo tempo que estranha. Os planos e a fotografia em geral são lindos e bastante conscientes. A segunda cena, com os dois andando na beira de uma estrada enquanto neva muito é linda demais.
Tentei falar mais sobre o clima do filme e não de sua história, porque creio que é o ambiente que consegue passar a sensação de isolamento, mais do que qualquer coisa.
É um filme intrigante, com escolhas visuais marcantes e um tempo narrativo interessante, que merece ser visto.

Festival do Rio 2010

2010-10-06T07:28:00.000-07:00

Chegou a hora de fazer uma revisão geral dos filmes do Festival. Por estar trabalhando no evento, e em decorrência disto, acordando as 6 da manhã quase todos os dias, não pude enviar um recorte diário atualizado, como muitos o estão fazendo com o Twitter.

É uma pena, por não poder indicar certos filmes a tempo que vocês possam ir, mas… é sempre tempo para procurarem, seja para assistir no cinema mais tarde quando estrearem, seja para alugar, ou baixar na internet.
Costumo colocar os filmes do Festival em categorias, para facilitar o trabalho, já que assisto em torno de 50 filmes.

Filmes Relaxantes . Filmes de Festival . Filmes Esquisitos . Filmes Simpáticos . Documentários...

Começo por um filme simpático:

“8 vezes de pé”, francês, é o primeiro longametragem de Xabi Molia. Misturando comédia e drama, tenta tratar com uma certa leveza a difícil vida de Elsa, que não consegue se integrar as necessidades do mundo cotidiano. Passa por situações um tanto quanto preocupantes: seja sendo despejada de sua casa por falta de pagamento, seja não conseguindo arranjar um emprego ou sendo desprezada por seu filho, que mora com o pai.
A abertura, que lembra algumas características de filmes como Juno, pelos desenhos e pela música alegre “indie”, não nos prepara para o lado mais triste de Elsa, interpretada por Julie Gayet. Mas nos indica a intenção do diretor de não se entregar a um tom dramático ou excessivo.
É um filme bastante simpático. Daqueles que poderiam muito bem estrear um tempo depois nos cinemas e atrair um número significativo de público, principalmente os que gostam de acompanhar o cinema francês. As atuações de Julie e de seu companheiro de tela, Denis Podalydes, estão muito boas e vemos facilmente a química entre os dois.
Ele é outro personagem que está a margem da sociedade. Prestes a ser despejado, também a procura de um emprego, um pouco excêntrico, cujo hobby é tiro ao arco, o personagem de Denis completa a dupla. Quando juntos, potencializam nossa empatia e dão força um ao outro, aliviando nossa tensão e arcando com o tom cômico do filme. Este tom de leveza e tristeza, este equilíbrio entre o riso e o choro é bem estabelecido e mantido ao longo do filme. A trilha sonora é ótima e nos incita a procurá-la para escutá-la mais vezes. Eu, particularmente, gosto de histórias que não cedem a uma visão fatalista dos acontecimentos. Mesmo não sendo um grande filme, é um desses que vou guardar na memória com carinho.

A oeste de Plutão
Fui assistir este filme por recomendação de duas pessoas, uma delas um diretor canadense de Montreal, Denis Coté, que me disse: é um filme pequeno, interessante e extremamente quebecquois (de Quebec – Canadá). Pode até ser que o filme seja um retrato fiel de um grupo de jovens de Quebec, mas como não tenho como fazer comparações por não conhecer este grupo, o que posso dizer é que ele é uma representação muito próxima do que entendo como o mundo da adolescência. Ou seja, se bem que possa expressar um universo particular, atinge também o universal.
Pra reduzir a descrição, digo que é um “Kids” bom. Detesto Kids… acho extremamente pretensioso e tendencioso na representação do adolescente. Já em “A oeste de plutão”, os diretores Henry Bernadet e Myriam Verreault não fetichizam (como Gus Van Sant costuma fazer), nem idealizam, nem demonificam os jovens. Tentam tratá-los com a complexidade que merecem, sem uma visão maniqueísta ou a usual caracterização de juventude perdida e irresponsável.
É um filme simples, filmado de forma simples com um roteiro simples. Um dia na vida de alguns jovens de classe média, entre 15 e 16 anos. Momentos sozinhos e em grupo, situações comuns. Um padrasto que anuncia que vai morar com você e sua mãe, escrever um poema para a menina que nem nota que você existe, jogar videogame com seus amigos, fofocar sobre meninos, ter discussões pseudo intelectuais na quadra de educação física, ensinar como se pega mulher, ensaiar uma música que você compôs, etc, Até chegar no momento auge: a festa na casa da menina com quem todos implicam, que está superlotada porque uma outra que costumava ser sua amiga convidou muito mais gente do que deveria e as consequências dos atos impulsivos que se darão ali.
Conseguimos então ter uma visão geral de suas atividades, inseguranças e motivações, assim como um egoísmo que parece intrínseco a esta idade. Personagens que não se preocupam com a consequência de seus atos, que não pensam antes de agir e principalmente, que fazem qualquer coisa quando em grupo. Viram rebanho a postos para seguir um líder, que nem precisa ser alguém diferenciado. É simplesmente alguém que tomou frente e tomou alguma atitude. Os outros só vão atrás.
E ao mesmo tempo que nos deparamos com essa adolescência inconsequente, vemos também que não se pode reduzi-los a isso. Que são pessoas inseguras, capazes de gentilezas, de reflexão, etc e que estão passando por um turbilhão de emoções.
Enfim, um filme bacana que deveria ser visto não só pelos jovens mas por todos. Quem sabe entendendo melhor uns aos outros, não estabelecemos uma melhor comunicação?

A woman, a gun and a noodleshop
Filme mais recente de Zhang Yimou e inspirado no roteiro original do primeiro longa dos irmãos Cohen, Blood Simple, “A woman…” continua caindo no meu apreço pelo cineasta. Não chega a ser um desastre total, como “A maldição da flor dourada” mas ainda está bem abaixo de “O Herói”, filme com o qual descobri o diretor e o qual me deu curiosidade para procurar trabalhos antigos. Apesar de extremamente conservador em sua mensagem, e quase propaganda política do governo, “O Herói” era um filme sensível que passava de mera estética e truques de efeitos especiais. A história e seus personagens eram envolventes e o desenrolar emocionante, além de um clima lúdico fascinante que permeava a narrativa.
Desde então, este posto de O Diretor propaganda chinês vem lhe custando bastante. “O Clã das adagas voadoras” parecia uma tentativa de continuação de estilo do filme anterior combinando agora um toque mais tradicional de melodrama. Quem pode esquecer as três vezes que Mei, interpretada por Zhang Ziyi, morre no fim? Depois disso veio um filme diferente desta vertente: Um longo caminho, com temática mais simples, sem os efeitos especiais e ambientado na China atual. Excessões a parte, em 2006, Zhang Yimou lança o super melodramático, versão da peça Thunderstorm, de Cao Yu, ambientado durante a Dinastia Tang, “A maldição da flor dourada”. Exagerado em todos os sentidos, a imersão no gênero do melodrama resultou num filme longo e chato.
Finalmente chegamos em a “A woman a gun…”. Seguindo este caminho de cinema que deve agradar e atingir as massas, Zhang Yimou mistura a comédia pastelona e o melodrama, mas não consegue chegar aos pés da versão original da história. Não cria a tensão que os mal entendidos merecem, não gera empatia com nenhum dos personagens, nos tornando distantes e indiferentes ao que lhes ocorre, nem dá o peso necessário ao envolvimento entre os mesmos. O timing entre comédia e melodrama fica muito descompassado e exagerado para ambos os lados, sem que se encontrem no caminho.
Enfim, um filme que pode vir a ser divertido para alguns, mas que pra mim se reduz cada vez mais a estilo e não é bem sucedido em sua tentativa de misturar drama e comédia, tarefa realizada com maestria pelos Cohen Brothers.

Amores Imaginários
Segundo filme do badalado “recente talento descoberto” canadense, Xavier Dolan, “amores imaginários” foi uma decepção pra mim, que esperava um filme mais maduro e mais autoral.
Pensava que na segunda tentativa, Xavier poderia se desvencilhar do estilo exagerado que pega de cineastas como Gus Van Sant, Wong Kar Wai, Christophe Honoré dentre outros e criar algo, mesmo que antropofágico. Mas ao invés disso, ele deixa de lado o que mais apreciei em sua estréia, J’ai tué ma mere: uma explosão de sentimentos, algo de muito pessoal e sincero, que muitas vezes se torna auto indulgente e de extrema arrogancia, mas que em outras mostra a fragilidade e a sensibilidade de Xavier. Eu matei minha mãe foi escrito quando ele ainda tinha 16 anos e realizado quando tinha 18. Agora, após o lançamento do segundo, Xavier está com 21 anos e parece deslumbrado com as possibilidades técnicas que um orçamento maior traz, mais do que qualquer coisa. Ao invés de se aprofundar na honestidade do tema que vai tratar, permanece constantemente na superfície, preenchendo os 95 minutos de filme apenas com câmeras lentas wong karwainianas, closes de rapazes gusvansatianos, luzes coloridas godardianas etc. Creio que 80% do filme é pura estética, se não mais. 80% de câmera lenta, quadros tortos, enquadramentos de quina ou que preenchem um terço da tela, de cenas videoclípticas. Cansativo para aqueles que buscam algum conteúdo.
Reconheço que essa futilidade vai atrair um grande público, que vai se identificar com o estilo, vai achar bonito e sensível, que seja. Mas pra mim, isto que poderia ser um ensaio interessante sobre a rejeição virou um discurso super estetizado de um ainda adolescente mimado. A única diferença é que ele agora mora sozinho.

A experiência cinematográfica de Brilho de Uma paixão

2010-09-15T09:42:00.000-07:00

Ao conversar com alguns amigos, fiz uma reflexão sobre quais os melhores filmes que assisti no cinema este ano. Fora de mostras, claro, porque senão Ozu iria ganhar diversos lugares nesta lista.

Os filmes que identifiquei como mais marcantes foram:

O Mensageiro

Direito de Amar

A Fita Branca

O Brilho de uma paixão

Ok, certamente existem alguns outros, mas a lista não cresce muito não.

É sobre este último mencionado que quero falar. Aproveitando que ainda está em cartaz e dá tempo para os que se interessarem ir ver.

Bright Star, nome original, é dirigido por Jane Campion, australiana e realizadora de filmes conhecidos como Um Anjo em Minha Mesa e o premiado O Piano. Não sou grande conhecedora de seus trabalhos prévios. Na verdade só assisti este primeiro mencionado, na edição em DVD da Lume Filmes, e é lindo. Conta a difícil história de uma das maiores escritoras da Nova Zelândia, a poeta Janet Frame.

Tendo visto este, já sabia que Campion é uma cineasta bastante sensorial, que sabe usar as cores para intensificar sensações e sentimentos.

“O Brilho de uma paixão” é inspirado em uma história que se passou em torno de 1820, nos últimos anos de vida do poeta inglês John Keats, quando se apaixona pela “estilista” Fanny Brawne.

Acho que quando gosto demais de um filme, minha palavras se tornam cada vez mais fracas para descreve-lo... Então aviso que tudo que disser são fragmentos de impressões que nunca serão comparáveis à emoção que foi assistir ao filme, as duas vezes.

A primeira característica que me sobressai é o fato de se tratar de um filme de época, mas sem as pretensões comuns a este gênero. Há um intimismo na forma de retratar os personagens e seus arredores, sem os planos abertos das paisagens, ou dos grandes salões de dança, e sem representar o cinismo da burguesia e a burocracia tão presentes. Não há a intenção de ensinar história, apesar de obviamente podermos captar diversos aspectos da época através dos hábitos, dos cenários e de certos diálogos. Há somente a intenção de nos mostrar, com sutileza e delicadeza, a transformação destes dois, Keats e Brawne, à medida que o sentimento vai crescendo em ambos. Como mencionam, eles criaram um mundo paralelo ao mundo real que é só deles, e é este o mundo que o filme nos apresenta.

Esta subjetividade pode ser percebida de diversas maneiras. O uso das cores é mais uma vez magnífico. Belos campos de flores, roupas ou borboletas que saltam aos nossos olhos. A luz é tão natural, deixando os interiores com uma sensação gostosa de sol. A sensorialidade está em tudo. Desde momentos em que algum personagem está acariciando o gato da família, até quando Fanny, deitada em sua cama, sente o vento adentrar a janela. O super close é outro aspecto que ajuda muito nesse sentido e nos possibilita observar contornos, desenhos e movimentos com maior privilégio.

Um dos momentos cruciais para o entendimento do filme e do próprio Keats é quando Fanny lhe pergunta sobre a arte do poeta. Ele lhe responde que o poeta não é nada poético. Fala que a arte (craftsmanship) de escrever poesia é uma fraude, pois ele só se vale daquilo que vem de inspiração, que não pode conter. E quando ela lhe diz que não entende poesia, ele simplesmente fala que poesia é algo que se deve entender através dos sentidos. “Não se entra num lago imediatamente para chegar ao outro lado. E sim para deleitar-se no estar na água. Não se compreende estar num lago, sente-se. É uma experiência além da imaginação”. E completa: “a poesia te abranda, e te ajuda a aceitar os mistérios”.

E isso pra mim, fala muito da minha experiência com o cinema e com este filme.

Não dá para descrever o amor. Pôr em palavras ou diálogos. Muitas vezes apreendemos mais o romance de um casal pelas cenas comuns do dia a dia do que em declarações apaixonadas.

Sabemos desde o início que o amor dos dois é algo impossível, pelos parâmetros da época. Mesmo com a confirmação disso, a tristeza não predomina. Predomina a certeza de que eles viveram cada momento juntos. Como Keats fala do seu sentimento em relação à poesia, é um constante estar no momento. E diversos planos do filme são exatamente isso. Não são ações representativas ou informativas sobre os personagens. São apenas um estar no momento.

Não vou chegar a uma conclusão dos fatos, porque tudo isso são impressões. Porém, posso ir chegando ao fim. Bright Star te abre os poros para aceitar as sensações, os olhos para que a luz suave do dia penetre as retinas e os ouvidos para que os poemas de Keats te deslumbrem. Sons e violinos e cores com formas que te preenchem indescritivelmente.

Realmente uma experiência cinematográfica.

Como apêndice, deixo aqui a transcrição do poema de Keats: Bright Star.

Bright star, would I were stedfast as thou art--

Not in lone splendour hung aloft the night

And watching, with eternal lids apart,
Like nature's patient, sleepless Eremite,
The moving waters at their priestlike task
Of pure ablution round earth's human shores,
Or gazing on the new soft-fallen mask
Of snow upon the mountains and the moors--
No--yet still stedfast, still unchangeable,
Pillow'd upon my fair love's ripening breast,
To feel for ever its soft fall and swell,
Awake for ever in a sweet unrest,
Still, still to hear her tender-taken breath,
And so live ever--or else swoon to death.

Voltando aos poucos parte 1

2010-09-14T09:01:00.001-07:00

Bom dia!
Resolvi escrever um pouco sobre cada manifestação cultural cinematográfica que está ocorrendo na cidade.
Um pouco sobre a Mostra Faróis na Caixa Cultural, um pouco sobre a Mostra Noir no Moreira Sales e sobre a Exibição da Obra Completa de Pedro Costa no CCBB.
Ainda escreverei sobre alguns filmes que estão em cartaz no circuito normal.
Para começar, Pouco a Pouco, de Jean Rouch, filme que fui assistir na Caixa sábado passado a tarde.

Petit a Petit é o nome da empresa fictícia de um grupo de habitantes da cidade de Niamey, em Níger. Jean Rouch, para quem não conhece, era um etnólogo francês, nascido em 1917, que nos anos 50 começa a se aventurar no universo do cinema. Diretor dos renomeados Mestres Loucos (Les Maitres Fous), Jaguar, Eu - um negro (Moi – un noir) e Crônica de um verão (Chronique d’été), Petit a Petit foi um filme mais tardio. 1970.
Outra informação importante que devo fornecer para aqueles que estão começando a ouvir falar de Rouch é que seu cinema nunca foi muito definido entre ficção e documentário. Há características de ambos em seus filmes. Hoje em dia, este tipo de divisória nem faz mais tanto sentido, mas deixe eu só explicar porque esta questão é forte aqui. Ao mesmo tempo que Jean Rouch documentava aspectos reais da vida de seus personagens, criava uma linha narrativa fictícia. Era como se ele chegasse no local, conhecesse as pessoas, se integrasse as suas vidas e depois criasse uma historieta intrincada com as funções e atividades já exercidas por estas pessoas. Não bastasse esta mistura, num de seus primeiros filmes, Jaguar, quando estava na mesa de montagem, Rouch pediu para os “atores” irem ao estúdio comentarem as cenas. Esta improvisação, que as vezes recriava as falas anteriores e outras eram comentários sobre o lugar, os hábitos e eles mesmos, revelava ainda mais esse universo que o etnólogo queria mostrar.
Dito isso, Pouco a Pouco é um filme mais ficcional do que os outros. Cria-se uma empresa fictícia de importação e exportação que dá origem ao título do filme. A trama gira em torno do fato de que Damouré, o chefe do grupo, ao saber que uma cidade vizinha terá um prédio de vários andares, quer porque quer construir um também, se possível, ainda maior, em Niamey. Esta é a motivação inicial que vai gerar oportunidade do filme nos mostrar o que ele realmente pretende.

Niamey é uma cidade desprovida de prédios. Seus habitantes vivem próximo aos animais, pescam e caçam para se alimentar, enfim… têm uma realidade bastante diferente de uma grande cidade.
E quando Damouré fica com essa idéia fixa de construir um prédio de muitos andares, parte para Paris para conversar com arquitetos que possam desenhar as plantas do mesmo.
Agora sim, chegamos. O contraste. Desde que Damouré põe os pés num taxi, fora do aeroporto, já começa a sentir as diferenças gritantes. Ele diz que as ruas são todas parecidas. Depois, num ponto alto de Paris, observa-a e faz um comentário extremamente importante: “La Tout Eiffell c’est pas Paris”. Paris não é a Torre Eiffell. A torre Eiffell está ai, mas Paris não é isso. Nem aquela igreja que eu não lembro o nome, nem a Champs Elysée. Paris não é nada disso. A gente fica recebendo apenas os cartões postais com essas imagens, mas não é nada disso.
Claramente desapontado, Damouré começa uma investigação num formato comum ao cinema direto (modelo de documentário). Sai pelas ruas com uma câmera ao seu lado, fazendo perguntas aos parisienses.
Através disso, o personagem vai fazendo críticas as vestimentas, as comidas, aos traços físicos e a falta de gentileza ou educação dos habitantes de Paris.
Acompanhamos também suas impressões sobre o clima e a própria estrutura do lugar. Ao observar o Rio Sena, diz que este está estrangulado. Sempre em comparações com Niamey. “Se parece com nosso rio, mas este está estrangulado”.
Apesar de suas críticas, Damouré não consegue conter o fascínio pela cidade que dizem ser a mais bela do mundo, lá em Níger e acaba adiando sua volta cada vez mais. Inventa sempre algum problema com o modelo do prédio, ou algo que precisa ser melhor definido.
Não quero ficar contando a história, ainda porque me parece o menos importante. O que mais me interessa é esse choque cultural e as interações entre pessoas de cada lugar.
O Amor é outro tema abordado, numa das conversas casuais dos personagens (africanos e franceses) e percebemos as diferentes visões: uma romântica e outra prática.
Como Rouch não é bobo e não queria fazer um trabalho incompleto, na segunda metade do filme, alguns personagens que foram encontrados na França partem para Niamey e agora temos o outro choque. As diferenças climáticas e comportamentais são tremendas. Há momentos muito engraçados pois a imagem reforça o ridículo que é a inserção de elementos estrangeiros em meio a paisagem selvagem da natureza africana. Objetos mesmo, como cadeiras ou roupas, etc.
E assim, chegamos a resolução do conflito. Os franceses vão embora e os africanos desistem de ficar tentando copiar tudo. Largam a empresa e falam para seus antigos companheiros: Pra que serve o dinheiro? Eu tenho tudo que preciso aqui. A gente nem sabe o que fazer com ele.Vamos criar a empresa “Les vieux cons” - Os Velhos Idiotas.
Eles nos mostram então como é errada a noção de atraso ou de que as grandes cidades sim são modelos de civilização ou que o sistema capitalista é o que deve ser seguido.
Para concluir então:
Pouco a Pouco é um filme construído nos moldes de uma ficção com não atores. Podemos constantemente perceber improvisações, risos de alguns e o conflito entre o ensaiado e o espontâneo. Construído numa linguagem ficcional as vezes e outras como reportagem ou câmera diário, o filme é uma ótima maneira de se descobrir esse universo tão distante do nosso e gerar interessantes discussões.

Primeiro Sinal

2010-08-29T22:06:00.000-07:00

Fico até envergonhada de aparecer por aqui... tanto tempo ausente.
Em geral, utilizo este espaço para falar de filmes ou eventos cinematográficos, certo?
Algumas exceções como quando viajei, e isto virou mais um diário, ou quando acabo usando este espaço para falar do que penso sobre determinado tema.
Pois bem. estava trabalhando bastante, mas agora estou me liberando. Pretendo usar este quadrinho em branco para escrever mais e mais nos próximos tempos.
Vou ver tb se atualizo umas criticas antigas que nunca finalizei. Não sei se isso vai interessar muito gente porque os filmes não estão mais no cinema. Mas quem sabe? aqueles que nao viram podem ate se interessar e alugar =)
bom. isto então é apenas um aviso. O primeiro sinal antes da peça começar.
Pééééééééééé....

COPA 2010

2010-07-02T09:53:00.000-07:00

EU GOSTO DO DUNGA!!!!!!!!!!!!!!!

Ele pode ter feito besteiras, mas conseguiu fazer uma copa com um time que crescia a cada jogo. Muito mais emocionante e com vitórias muito mais merecidas que o desastre de 2006.
Por essas e outras, gostaria de deixar meu apelo aqui:

eu gosto do dunga!!!!!!!!!

Uma experiência cinematográfica que vale conferir

2010-03-10T07:03:00.000-08:00

Entrei no cinema, me aloquei no centro, fileira D, como de costume. Trailer 1, Trailer 2 e então os créditos iniciais de Direito de Amar (nome ingrato que mais parece novela de sucesso da Globo nos anos 80) começam.

Me vem aquele baque de cara pelo filme ser em digital. Algo que pode parecer uma certa frescura, mas os motivos são vários, mesmo eu não sabendo enumerá-los para elucidá-los. Uma reação, por exemplo, não só decorrente disso, mas influenciada foi: projeção escura… tsc tsc tsc

Na tela: um homem debaixo d’água. Seu corpo nu gira em câmera lenta num azul escuro subexposto enquanto a trilha sonora tensa e emotiva guiada por violentos violinos nos anuncia que o assunto é sério. Algo que lembra um pouco produções inglesas recentes como As Horas, O Leitor.

Então, depois de um sonho, o homem abre os olhos assustado e sua voz, calma e fria diz: Waking up begins with saying am and now. (Acordar começa dizendo sou e agora).

E assim, com alguns cortes secos, uma expressão facial que parecia me sugar para sua angústia, suas cores dessaturadas e apenas duas frases, o filme me conquistou.

Eu estava lá e estaria ao longo dos 101 minutos que seguiriam.

Single Man consegue trazer várias questões de importante discussão à tona de forma coesa e coerente. Ao escolher o período de maior tensão da Guerra Fria, quando os mísseis em Cuba ameaçavam deslanchar uma 3a Guerra Mundial fulminante, o assunto não poderia ser outro: Medo.

Em apenas uma cena, nosso protagonista, professor de literatura, usa como pretexto o livro de Aldous Huxley para tentar esclarecer o discurso por trás do preconceito e da diferença.

Guiado por sua intenção de ter um dia diferente dos que preencheram os 8 meses desde a morte de seu companheiro, George resolve falar o mais abertamente que a sutileza permite sobre a perseguição a minorias e a manipulação do poder a partir do medo.

Para responder a uma pergunta (idiota) de um aluno se Huxley seria ou não antisemita Faulcon nega e após um momento diz: Quando uma maioria persegue uma minoria sempre há uma causa, só que esta pode ser imaginária, inventada, como no caso dos alemães e dos judeus. Mas há uma causa, e esta é o medo. Uma minoria só é tachada como tal quando representa uma ameaça para os demais.

Com apenas este discurso, o diretor consegue fazer uma reflexão sobre preconceito, o pensamento de conquista e superioridade americanos e fecha com uma questão que poderia tanto ser direcionada aos anos 60, quanto hoje: o controle das massas através da disseminação do medo. Este é até um assunto muito ilustrado nos últimos tempos de forma mais sutil ou berrante seja em filmes como Sherlock Holmes ou Avatar. Mas enfim, quem sabe depois de bater na mesma tecla, a mensagem entre na cabeça das pessoas?

O niilismo extremo do personagem é bem fundamentado por sua dor e luto, mas consegue ser ainda reforçado pelo clima de falta de esperança de um futuro melhor. Numa época em que a qualquer momento uma bomba atômica poderia explodir, o futuro era a morte, o fim do mundo, a guerra, o terror. Pra que pensar no amanhã ou dar valor a vida então?

Agora, saindo um pouco da questão ideológica, gostaria de comentar a estética visual do filme, a fotografia. Adorei a idéia de manter as cores dessaturadas ao longo da narrativa para demonstrar a total falta de ânimo e o estado de melancolia constante do personagem. Tal modelo é apenas alterado quando este se depara com elementos que chamam sua atenção, que lhe devolvem um pouco o sabor da vida e que fazem-no admirar beleza. Aí então as cores se tornam fortes e até exageradas, ás vezes.

George Faulcon é um homem sensível e apreciador de detalhes e a câmera é seu olhar. Na verdade, nem seu olhar, mas sua consciência, seu modo de perceber o mundo. Seja a câmera lenta, a repetição, a luz, as cores o foco ou o enquadramento. Tudo isso nos faz mergulhar em suas emoções e sensações. É um filme quase sensorial. O som também exerce um papel muito importante nessa composição. Tanto a música (pulsante) aos momentos de silêncio (vazio).

E ainda pra finalizar, essa viagem pela dor, tristeza e angústia consegue nos levar a clareza e plenitude.

Talvez minha única retensão em relação a “Single Man” seja uma busca pelo belo fácil. Todos os homens e mulheres que o páram, que o cativam, possuem uma beleza esperada e tão acessível que tornam sua sensibilidade quase viciada, previsível.

Um filme para mergulhar, desde a primeira cena. Tapar os olhos e os ouvidos e abrí-los novamente com o ponto de vista do personagem de Colin Firth, que nos guiará com cuidado, carinho e cautela ao longo do filme.

Jason Reitman concorre ao Oscar com seu terceiro longa

2010-02-03T06:23:00.000-08:00

“Up in the air”, traduzido como “Amor sem escalas” aqui no Brasil, é o mais recente longa de Jason Reitman. Este jovem diretor começou desde o início de sua carreira com o pé direito, desde sua estréia com “Obrigado por fumar”, passando por “Juno” e agora com seu filme concorrendo ao Oscar e ele mesmo a melhor diretor.
Fui assisti-lo ontem, no Odeon, com muitas expectativas e creio que talvez esse tenha sido o mal. Esperava um filme incrível, um “Embriagado de Amor”, algo que me tirasse do chão e me devolvesse só no fim. O que encontrei foi um bom filme, com um jeito metódico de edição, condizente com muitos diretores desta geração, ótimas atuações e uma trilha sonora deliciosa, cheia de rocks calmos e melódicos, tendendo para algo indie como Belle and Sebastian às vezes, e outras ao rock clássico dos anos 60.
Bem, agora que já abaixei as expectativas um pouco de quem ainda não assistiu, vou complementar o que escrevi com mais alguns detalhes para tentar fazer voltar aquela vontade de ir ao cinema conferir.
“Amor sem escalas” é uma comédia/drama romântico. Possui o típico roteiro de mudança interna do protagonista. Mas o faz muito bem.
Ryan Bingham trabalha numa empresa contratada para demitir funcionários de outras empresas. Para isso, passa mais da metade do ano viajando para diferentes cidades dos Estados Unidos. Uma vida que poderia parecer solitária para alguns é para ele exatamente o que desejaria. Ryan considera o “ar” sua casa, os aeroportos seu porto seguro. Não possui vínculos fortes com ninguém, nem mesmo sua família.
Um outro ponto interessante são os cartões de fidelidade e sua obsessão com a contagem de milhas. Para ele, tal reconhecimento e tais pontuações são mais importantes do que qualquer relação. São seguros e objetivos.
Até que uma novata adentra seu território e tenta mudar as regras do jogo. Numa tentativa de prová-la errada, se vê obrigado a ensiná-la seus métodos e acaba entrando em contato com outras ideologias de vida. No meio desse processo, claro, conhece uma mulher e a partir daí tudo se desenrola.
A grande questão do filme me parece ser uma reflexão universal, já desenvolvida de diversas e múltiplas formas: ninguém pode ser sozinho. Numa discussão chave, o personagem de George Clooney coloca seus argumentos na mesa – não preciso de amigos para ter com quem conversar, quase todos os casamentos terminam mal, todos nós morremos sozinhos – em contraposição aos de Anna Kendrick – todos precisamos de alguém para contar, de alguém para dividir nossa vida, de amor, de estabilidade. Esses dois valores são postos em conflito e aí vem um dos grandes trunfos do roteiro, pra mim: a percepção de que mesmo que escolhamos o caminho contrário ao solitário e da auto-suficiência, nem sempre este será um caminho fácil ou dado de bandeja. Ou melhor, é mais fácil sim seguir por um trajeto desvinculado, exije menos trabalho, mas não necessariamente é mais gratificante.
Para complementar, vem uma de minhas falas favoritas, numa seqüência um tanto quanto forçada para encaixá-la, quando Ryan está tentando convencer o futuro marido de sua irmã a prosseguir com o casamento. Ele diz que nada faz sentido: a vida, o que construímos, nosso trabalho, nada disso faz sentido porque vamos todos eventualmente morrer. Mas tendo isso em mente como garantido, o máximo que podemos fazer é aproveitar os bons momentos, e estes costumam vir em pacotes conjuntos, com aqueles que amamos.
O que me comoveu bastante foram os depoimentos das pessoas que teriam sido demitidas no começo do filme, falando sobre como estariam superando ou agüentando a situação. Todas elas mencionam suas famílias, seus filhos, seus companheiros, pessoas amadas.
O filme consegue ser atual, reconhecendo que essa situação de crise existe, que empresas cretinas contratadas para demitir funcionários alheios também continuarão existindo, mas mostra que enquanto existir amor, solidariedade e, enfim, pessoas com quem podemos contar, haverá esperança e possibilidade de continuar. E de qualquer forma, mesmo admitindo essa dura realidade, se opõe a ela de diversas formas e ainda oferece alternativas: a idéia absurda das demissões via Internet é retraída por causa do suicídio de uma funcionária, a auto demissão da personagem de Anna Kendrick e o tão esperado ato de liberdade de Ryan Bingham.
Então, apesar de ser um filme claramente com um propósito e de, em muitos momentos, ser “friamente calculado”, nos oferece momentos verdadeiros que o salvam, conseguindo finalmente mais para o desfecho, nos embarcar.

Avaliação da primeira maratona de 2010

2010-01-10T19:36:00.001-08:00

Um ano e meio sem aparecer em um de meus eventos cariocas favoritos, esta sexta feira (8 de janeiro) – finalmente – figurei na maratona do Odeon.

Não reconheci de cara.

Primeiro, havia ingressos até logo antes de começar. Melhor dizendo, não esgotaram os ingressos. Fenômeno esse que nunca havia visto desde minhas primeiras visitas ao trio fílmico nas primeiras sexta feiras do mês. Segundo, o público está diferente. Menos estudantes de cinema, menos pessoas com armações de óculos retangulares semi grossas e pretas e mais pessoas aleatórias, que parecem gostar do evento em si, mais do que dos filmes. Ainda um ponto de encontro, como nos tempos dourados. Terceira e grande mudança, seleção dos filmes. O tom geral permanece: primeiro filme, mais esperado. Segundo, quebra de ritmo, normalmente o mais sério dos três. Terceiro, o escrachado, o que menos tem que ser levado sério ou, ao menos antigamente, clássico, esquisito, com cópia ferrada, antigo ou cult.

Entretanto, antigamente, havia algo de especial nessa seleção. Não só senti falta do segundo filme surpresa ou a ser escolhido pelo público, como achei os três títulos fracos. O primeiro, que deveria ser a grande atração, desapontou bastante.

A Mente que Mente. Um filme de Sean McGuinly (nunca ouvi falar) com filho e pai Hanks, a presença ilustre de John Malkovich e algumas pontas como Steve Zahn, que estão ótimas.

Desde as primeiras cenas fiz o conhecido e involuntário “tsc”. Uma narração em off com montagem das imagens ilustrando aquilo que estava sendo dito. Além da falta de criatividade e da total falta de força deste início (tão importante para qualquer narração), a premissa do personagem lembra muito aquela de Xavier (Romain Duris) em Albergue Espanhol. A diferença é que um ia ser advogado e o outro trabalhar num escritório e que a solução de um é ir trabalhar com um mentalista e o outro resolve fazer intercambio. Falando assim, parecem bem distantes, mas a questão central é: rapaz chegando numa idade de tomar decisões importantes de vida resolve que o caminho que está seguindo não o levará a felicidade, por isso larga o que está fazendo. Além do que, ambos têm aptidão para escrever.

Bem, após minha insatisfação inicial, veio a decepção com os planos. Mal feitos, principalmente nos primeiros 15 minutos de filme. Todo o aspecto imagético foi prejudicado pela exibição digital. Pelo que pareceu, o filme também foi rodado em digital. De qualquer forma, quase não havia cor nem profundidade e isso me incomodou na maior parte do tempo.

O ritmo também não se encontrou. Entre romances desnecessários mal estruturados narrativamente, narrações em off excessivas nos contando tudo que o diretor era incapaz de mostrar imageticamente, vazios na história e cenas fracas, o que salva o filme é a atuação de Malkovich. Extremamente assertivo em seu papel de Buck Howard, John Malkovich criou um personagem complexo, cheio de defeitos e irritações, mas carismático e forte. Conseguimos entender de onde vem sua impaciência e dificuldade de lidar com aqueles a sua volta.

Ele é um mágico/mentalista que construiu sua fama por ter aparecido 61 vezes no famoso programa americano “Tonight Show”. Depois de um tempo, inexplicavelmente, os produtores do programa param de chamá-lo e sua carreira começa a decair exponencialmente até que o máximo que consegue fazer são alguns shows em teatros pequenos de cidades que nem aparecem direito no mapa. Buck passa metade do filme tentando conseguir voltar aos spotlights. Mas o que ele percebe ao longo da história é que aquilo que estava buscando: a fama novamente, aparições na televisão e shows fixos em Las Vegas não era mais o que precisava. Essas pessoas, essa parte do entretenimento era falsa, mesquinha, não o amava realmente, não estavam lá por ele e sim pelo espetáculo, pela fofoca, pelo que ouviram dizer, pela curiosidade e quase por um desejo de descobrir algo de mentiroso em suas mágicas e truques.

Essa descoberta é a grande questão a ser ressaltada pelo filme. Uma certa ingenuidade, a crença pela magia, o amor verdadeiro do mágico com seu público, para quem devotava seu tempo e sua mente no intuito de fazer-lhes rir e se maravilhar.

O problema é que isso fica solto num filme mal estruturado, que acaba sempre recorrendo à voz off nos momentos mais importantes.

Acho que como entretenimento é fraco, apesar de divertir em momentos. Acho que como um filme de John Malkovich é fantástico, porque cada cena com ele vale a pena ser vista. E acho que como filme poderia ter atingido a mensagem que pretendia passar de outras formas, mais eficazes e mais poéticas.

Bom. Continuando minha avaliação da Maratona…

O segundo filme foi de Christophe Honoré, autor de “Em Paris” e “Canções de amor”. Bem diferente do direcionamento que levou em ambos longas citados, onde equilibrava alegria e tristeza, leveza e densidade, poesia e melancolia, música e silêncio, Honoré escolheu ir até o fundo da angústia dessa vez. Mesmo já tendo tratado temas pesados como separação e morte, “Não minha filha, você não irá dançar” se passa em torno de uma família com problemas de relacionamento e cujo foco central é a filha mais velha, representada por Chiara Mastroiani, que está passando por um processo de separação. O grande problema é que tal personagem está em negação consigo mesma. Não quer admitir que está sofrendo por um marido que a traiu e acredita que por se bancar de forte e fria, este perceberá o erro que cometeu e voltará pedindo perdão. Quando isso não acontece, usa os filhos para atingi-lo.

Então, a história é centrada numa mulher que se mostra maior parte do tempo chata. Chata e angustiada. É difícil um filme desses manter um ritmo leve ou fácil.

Apesar de ter percebido que este foi o filme menos apreciado da noite, para mim foi o mais proveitoso. O mais próximo de querer dizer alguma coisa e atingir esse objetivo. O mais humano dos três.

Gosto dos planos, de certas cenas, até de ilustrações como o conto da mulher linda que fazia os homens dançarem. Honoré nos mostra alguém perdida, que não sabe sair de onde está e não consegue ver melhoria. Seu orgulho a impede de ser gentil com os outros e quanto mais cruel é, mais difícil é voltar atrás e pedir desculpas.

Por mais que as duas irmãs tornem a narrativa bastante sombria, a presença dos pais e do irmão mais novo clareiam um pouco a escuridão e ajudam a por em perspectiva as percepções dos personagens. A cena de amor entre os dois (Marie-Christine Barrault e Fred Ulysse) é linda e inusitada.

De certa forma, estou cansada de filmes franceses cujo tema gira em torno de um encontro familiar revelador das diferenças e problemas entre os membros daquele núcleo. Entretanto, acredito que este conseguiu, por manter o foco em uma das personagens e mostrar que nem todos tinham complexas reclamações uns dos outros, colocar uma questão em evidencia e desenvolvê-la.

É isso. Um pouco arrastado e bastante melancólico, porém verdadeiro e evidenciador (inventei para o fim de meu objetivo significativo).

Já o terceiro era um pastelão espanhol. “Á moda da casa” é um típico filme de comédia fácil, que recorre a piadas bobas, preconceitos e situações ridículas para obter as risadas do público.

Não vou me prolongar porque escolhi dormir durante o filme, depois de assistir 15 minutos. Vi também os últimos 30 e confirmei minha intuição de que seria bobo demais pra merecer minha atenção. Estou sendo dura, admito, mas acho que com minha já fixada decepção com outros aspectos da Maratona, esperava algo que, ao menos, me mantivesse acordada.

É engraçadinho, me fez rir de vez em quando, mas não trouxe nada. Um quadro que depende da minha presença na frente dele para ser apreciado, se tanto. Muitas vezes, ao se fazer uma comédia, o diretor cria um outro mundo, o mundo do riso em que tudo é possível, por exemplo, Jack Lemmon se passar por mulher em “Quanto mais quente melhor”, mas isso só funciona quando somos levados com ele até esse universo. “A Moda da casa” nos joga sem explicação nesse frame de diálogos estúpidos, mal entendidos óbvios e história rasa.

Bom, sem mais delongas, fica aqui minha esperança de que a seleção dos filmes da próxima maratona seja melhor e um convite para todos que queiram conferir. =)

Holmes, Sherlock Homes

2010-01-10T16:13:00.000-08:00

Com certa relutância, mas uma excitação revelada, combinei com alguns amigos de ir ao cinema este sábado para assistir Sherlock Holmes, a mais nova versão deste tão cultuado personagem inglês. Holmes é um desses personagens que fizeram parte da minha infância mesmo não o conhecendo tão bem. É como um tio que só vi algumas vezes, mas conheço por ouvir falar nas reuniões de família. Como este, Shakespeare e Beatles vinham juntos.

A cada filme que assisti ao longo dos anos, desde os mais tenros até hoje, aprendia mais e tinha mais curiosidade para observar a dupla Holmes e Watson em ação. Não sei se pelo senso de humor, pela relação entre os dois ou pela maneira minuciosa de resolver seus casos, Sherlock Holmes sempre foi um super herói na minha cabeça e um dos mais intrigantes.

Ao saber que este ano, Robert Downey Jr, um de meus atores preferidos no cinema atualmente, estrelaria como o famoso detetive, entusiasmo me preencheu por completo. Porém, logo em seguida veio a dúvida e a insegurança. Guy Ritchie seria o diretor.

Para quem não conhece, Ritchie, muito conhecido como o mais recente ex-marido de Madonna, é o diretor de “Jogos, trapaças e dois canos fumegantes”, além de “Snatch, porcos e diamantes”. Ambos divertidos, com personagens de moral duvidosa, mas simpáticos, um pouco de drogas, um pouco de armas, alguma confusão que só piora ao longo do filme para ser resolvida nos momentos finais e sempre um ator muito grande que deve ser temido. Além da montagem frenética, letreiros... enfim, uma certa onda estética que veio com Tarantino e Transpotting, de Danny Boyle.

Apesar de ter sido favorável ao estilo de Guy Ritchie no início de sua carreira, cansei. Tentei assistir o filme que fez para e com Madonna e, de tão insuportável, tive que mudar de canal algumas vezes até desistir. Rock’n’Rolla tão pouco me conquistou. Não basta mais repetir o mesmo estilo de sempre. Tem que renovar. Por essas e outras, minha preocupação de que seu olhar deturpasse o personagem de meu imaginário e que este fosse transformado em apenas mais um de seus personagens.

E agora, depois de ter sentado pelas duas horas de filme, posso afirmar que estava enganada.

Há sim alguns resquícios de sua cinematografia que acredito não ter conseguido deixar para trás, como as cenas de luta de boxe e outras brigas. Mas mesmo assim, consegue reverter esse aspecto para seu benefício e ressaltar, nessas cenas, a personalidade dedutiva e calculista de Holmes.

Uma herança de seu estilo que se encaixou perfeitamente foi a trilha sonora com canções instrumentais irlandesas, que retrata bem a rebeldia e o senso de humor presente.

Sherlock Holmes consegue não só divertir, comover e deixar a platéia tensa, como traz discussões atuais em sua trama: A questão ciência x religião, temor de armas químicas, mas principalmente, o poder que pode ser obtido facilmente quando a população está com medo. Medo e ignorância como as maiores armas de controle.

Já nos aspectos técnicos, fotografia, figurino, créditos de encerramento, estão todos fantásticos. Representam bem a época referida e trazem o clima sombrio e de evolução industrial pretendidos.

A dupla Downey Jr e Jude Law está em perfeita harmonia. Parecem casados há anos, começando a sentir as pontas do desgaste matrimonial. Mas essa “possível” relação amorosa se revela numa amizade carinhosa e de quase dependência entre os dois.

A necessidade de trazer um elemento feminino mais forte trouxe Rachel McAdams como Irene Adler, uma das poucas personagens femininas de alguma importância nas histórias do detetive. Não me convenceu de todo, nem a atriz, nem a personagem, mas funciona como acessório para a história.

Então, para finalizar, digo que fui surpreendida por um filme excelente. Usam-se artifícios narrativos e imagéticos construídos para seduzir o espectador sem ele perceber? Usa, mas muito bem. As cenas de briga, as piadinhas, as escapadas espertas, as frases de efeito, tem tudo isso. Mas estes se encaixam e não se tornam cansativos ou óbvios demais.

Atuações impecáveis, uma história envolvente, diálogos inteligentes e uma adaptação fiel (nos aspectos mais importantes) do personagem inglês. Digo tudo isso sabendo que muitos fãs, leitores das historias originais, correm o risco de indignarem-se com a mudança radical de ares de Sherlock Holmes.

De reflexão intelectual e lógica para o uso recorrente de músculos e habilidades físicas em geral, houve um grande salto. Porém, se se concentrarem no cerne do personagem, em sua falta de tato, sua reclusão social, sua impaciência com erros medíocres, seu amor por Watson, sua capacidade de dedução, etc é capaz de terem uma boa experiência na sala de cinema.

E o que gosto de ressaltar é que esta é apenas uma possível visão sobre o personagem lendário. Muitas outras vieram e outras hão de vir. Eu gosto dos casos mais simples, com menos ambição mundial e uma capa com cachimbo e lupa grande? Gosto. Gosto de personagens que conversam a maior parte do tempo, nos mostrando o percurso racional que estão fazendo para nos conduzir com eles à resposta em vez de correr, saltar de prédios ou derrubar barcos em construção na água? Gosto. Mas acho que na busca pelo sentido há espaço para variações e interpretações.

Entrei no cinema uma mulher ainda um pouco cética e saí uma menininha totalmente animada e pronta pra outra história.

Ao som de Sympathy For the Devil

2009-12-28T11:38:00.000-08:00

Andava pela Cinelândia. bzzz, bzzzz. Alô? Oi mãe. Não, ainda não tá chovendo aqui não. Tá, fica tranquila, daqui a 5 minutos vou pra casa.

Termino de deixar o filme da máquina pra revelar e desço as escadas para sair. As ruas já estão molhadas. Gotas pesadas essas! Deliciosas. Aquele vazio das ruas da cidade do dia 28 de dezembro, ampliado pelo temor de se molhar. Então atravesso a rua e vou esperar meu ônibus.

Me dá uma vontade de ligar pra alguém.

Bom dia! tá aonde? porque eu estou no centro, na Cinelândia e está chovendo. Mas é daquelas chuvas que só refrescam. aqueles pingos grossos. mas que mantem a claridade do dia. _ Em questão de cor e luz eu diria que diminue a saturação, por causa do tempo nublado, mas sem perder em exposição. O contraste não é dos melhores assim de cara, mas com uma camera digital deve ficar bem bonito. _ Então. só te liguei pra saber se aí onde você tá, tá chovendo também. Porque se estiver, as chances de haver um arco íris por aí são grandes.

E aí? Tem um arco íris aí?

A filosofia de vida segunda Julia Child

2009-12-19T17:52:00.000-08:00

Bom dia. Dois filmes que assisti nas últimas duas semanas e gostaria de comentar.

Comecemos pelo primeiro: Julie e Julia.

Dirigido por Nora Ephron, conhecida principalmente por seus filmes anteriores: Sintonia de Amor e Mensagem pra você. Como o trailer, o teaser e acho que até o cartaz já diziam, é baseado em duas histórias verdadeiras, dois livros serviram de base para a inspiração: My Life in France, de Julia Child e no homônimo, Julie e Julia, de Julie Powell.

O primeiro, escrito por Julia e complementado por cartas dela e de seu marido para amigos e parentes, conta sua experiência como mulher de embaixador à procura de uma atividade em Paris e a descoberta de sua paixão pela culinária.

O segundo é uma junção dos posts do blog de Julie Powell, que resolveu fazer as 500 e poucas receitas do livro "Mastering the art of french cooking" (escrito por Julia Child) durante 365 dias.
Independente de qualquer critério artístico cinematograficamente falando, esta resenha será focada no conteúdo.
Não dá pra negar, filmes americanos, em sua maioria, e principalmente hollywoodianos, tendem a contar uma história. De cabo a rabo, com o mínimo de arestas ou nós frouxos possíveis. Um conteúdo empacotado numa forma idealmente planejada para ser discreta, suave e eficiente. Por isso, o que tenho a dizer sobre a luz, o som e outras questões técnicas é irrelevante. Bem feitos, claro. E as atuações estão ótimas. Meu chapéu para Merryl Streep, pela enésima vez, que não encarna ou se torna seus personagens, mas dá vida e cor e luz e voz a eles.
Além do mais, não foram esses aspectos que mais me chamaram atenção. O que me interessou foram essas personagens, a trajetória que seguem e as sensações que obtemos através de suas histórias.

O formato em montagem paralela é muito interessante, pois conseguimos observar as constantes aproximações entre a vida dessas duas mulheres, suas dificuldades, motivações, paixão pela cozinha e por seus maridos. Apesar das semelhanças e referências entre ambas, não creio que a montagem tenha tido a intenção de manter uma fluidez e imperceptibilidade nas transições, como alguns poderiam pensar e criticar por não alcançar, pois acredito que há uma divisão clara entre as seções que deve ser mantida não só por conteúdo, mas pela forma.

Certamente a narrativa de Merryl Streep carrega o filme, com todo seu charme e sua presença, não só em tamanho (falseado e aumentado dos 1,68 aos 1,88 em tela), mas na alegria que trasmite com seu sorriso e a graciosidade de seus gestos. Sua voz engraçada, feita sob medida para a personagem, além das caras e bocas emprestadas para Julia Child preenchem a personalidade cativante dessa mulher que superou dificuldades e preconceitos para se tornar uma cozinheira e lançar seu livro de culinária, vendido até hoje.

Julia Child pode ter sido apenas uma mulher na vida real. Pode ter tido muitos defeitos, nem ter sido tão interessante quanto vemos no filme. Mas essa Julia, a verdadeira, não é a que nos interessa, nem que interessava a Julie Powell. O que ela e nós temos é uma fantasia. Uma mulher maravilhosa que nos ajuda seja a cozinhar, seja a apreciarmos pequenas coisas da vida ou simplesmente a sorrir. A Julia Child do filme de Nora Ephron é uma inspiração idealizada, um mito, um símbolo. No caso de Powell, daquilo que ela gostaria de se tornar. Uma mulher amada, bem sucedida em sua vida profissional e em família e que pudesse praticar aquilo que gostasse no seu dia a dia. No nosso caso, uma alegoria do que um filme como esse pode nos trazer. Não importa se aquilo tudo não é verdade, contanto que nos traga conclusões boas ou úteis, reflexões, alegria. E o que mais me impressiona é termos essa revelação do mito a nosso alcance.
Quando Julie consegue finalizar seu projeto e está radiante por causa da aceitação e do respaldo que está tendo recebe o telefonema de um jornalista que diz ter conversado com a senhora Child e que esta teria elatado sua visão negativa em torno da iniciativa do blog de Julie. Ela fica arrasada e nesse hora, seu marido, corretamente, esclarece: isso não importa. Essa Julia com quem ele falou não importa. E sim aquela que te inspirou, que te trouxe bons sentimentos e te impulsionou a ser melhor. E é isso. Sem rancor, sem maiores explicações, sem retaliações. Simplesmente um tablete de manteiga em sua homenagem e em agradecimento por toda a ajuda.
Ao longo dessas duas horas, acompanhamos as vidas dessas duas mulheres e crescemos com elas.
É muito bom quando podemos obter tamanhas compensações através de coisas tão simples, como cozinhar. Não só há uma mensagem de seguir atrás de seus sonhos (por mais "filme da Xuxa" que isso possa soar), como de apreciar aqueles que te amam e de ter paciência e saber lidar melhor com os obstáculos que surgem em nossos caminhos, mas principalmente, nos mostra que não há necessidade de abrirmos mão da fantasia. Deixemos ela fazer parte de nossas vidas e nos enriquecer.
Então é isso. Um filme feel-good sim e assumido, mas com subtextos que chegam mais próximos de nós do que esperaríamos.

Encontro com Lucrecia Martel

2009-12-06T15:58:00.001-08:00

Mais um encontro memorável com uma cineasta. Desta vez, Lucrecia Martel.

A diretora Argentina dos filmes “O Pântano”, “A Menina Santa” e o mais recente, “A mulher sem cabeça”, estava no Rio esta semana e aproveitou para dar entrevistas e palestras, conhecer lugares e ainda falar com os alunos da UFF. O evento propulsor de sua vinda foi o III Encontro Internacional de Cinema e Educação da UFRJ. Nesta terça feira encontrou docentes e ouvintes na cinemateca do MAM para falar um pouco sobre o universo juvenil que se encontra em seus filmes e a utilização da narrativa na educação e formação de crianças e adolescentes, além de responder perguntas gerais de sua filmografia.

Magra, cabelos longos e ondulados e sua marca registrada: os óculos bastante femininos. Apesar de pequena, Lucrecia domina o lugar com sua presença, sua voz delicada e seus comentários repletos de informação e experiência.

Começa se desculpando por não falar português e pedindo para que se não entendermos algo, dizer-lhe, para que possa repetir com mais calma. Depois pede para que façamos perguntas porque não se dá muito bem com um esquema de palestra.

De mãos tímidas a mãos mais seguras, o panorama de questões vai se formando e Lucrecia vai desenvolvendo complexas respostas que abrangerão desde sua infância até os processos de filmagem de seu último filme.

No encontro com a escola de cinema da UFF, falou principalmente sobre casting e seu trabalho com os atores, assim como sobre a importância do som.

Quando está no processo de seleção, não está atrás do mais talentoso ou do que mais se aproxima do personagem. O que ela quer é um entendimento entre diretor e ator. Diz que gosta de conhecer todos na filmagem, incluindo figurantes, porque para ser capaz de ir até eles e lhes pedir coisas precisa se sentir a vontade, precisa desse entendimento. Essa comunicação é mais importante do que uma suposta adequação ou perfeição.

Um outro ponto importante a se verificar é se o elenco escolhido funciona bem em conjunto. Esse é um cuidado que diz ter na hora do casting. Sempre pensar tal pessoa em relação a como ficaria com a outra, tanto na tela quanto pessoalmente.

Em relação à maneira com que lida com os atores, diz que não há método certo e nem mesmo UM apenas para com todos. É como se quiséssemos falar da mesma forma com sua sobrinha, mãe, tia e avó. Atores são pessoas estranhas, diz ela, caminham pelos limites da loucura, onde quase ninguém quer chegar.

Sobre ensaios, Lucrecia fala que não gosta de fazer testes de elenco com textos retirados do roteiro, para não desgastar as cenas. Cria outros textos, muitas vezes inspirados em situações corriqueiras de seu cotidiano e que se encaixem nesses personagens para que possam atingir a atuação/naturalidade desejada.

Na realidade, não gosta de repetir muitas cenas nem na hora de filmar. O máximo de takes que repetiu numa cena foi 11 vezes e achou desgastante demais.

Saindo um pouco do assunto, entrando na preparação da filmagem em si, não gosta de criar storyboardings, porque não consegue imaginar os planos e posicionamentos de câmera até estar no local com a luz montada, com a visão dos elementos reunidos... Pode pensar sim cores, tonalidades, enfim uma identidade visual com o fotógrafo e principalmente definir zonas de foco. Agora voltando...

Quando fala sobre seu trabalho com crianças e adolescentes, Lucrecia dá dicas importantes. “Não pode existir crianças profissionais de seis anos. E se existirem, serão pequenos monstros. Por isso procuro não chamar atores mirins e sim crianças sem muita experiência. E não lhes dou um roteiro com suas falas, porque quando se tem uma criança envolvida, que quer muito dar o melhor de si pro projeto, ela tentará ser o mais precisa possível. Vai tentar ler o que está escrito, incluindo as pausas, pontos e vírgulas. E tudo isso determina a forma dela falar.” Diz que se compararmos num programa de edição de som qualquer um telefonema de nossa mãe no telefone com uma cena atuada, perceberemos a diferença da freqüência do som de cada uma. A primeira sendo muito mais irregular, onde as frases não se terminam por completo, enquanto a outra será preparada, tanto na respiração quanto na disposição corporal para que cada frase seja dita correta e inteligivelmente.

Por isso, prefere conversar com as crianças, contando-lhes histórias e contextualizando sobre aquilo que terão que dizer nas filmagens, para que assim, os textos fiquem gravados em suas memórias. Gerando uma sobrecarga de informação e uma certa confusão, levando-as a falarem com a tal imperfeição e irregularidade sonoras que busca.

“Atores adultos são treinados para tentarem atingir um tom mais natural, eles têm esse tipo de preparação. Crianças precisam de ajuda”.

Já entrando no tema sonoro, Lucrecia falou do local cinema como um espaço preenchido por fluidos, como uma piscina. Só que em vez de água, esse fluido seria o ar. O som perpassaria esse ar através das vibrações atingindo fisicamente o espectador, sendo assim o único elemento do qual o público não pode se ausentar. Mesmo que tampemos os ouvidos, ainda escutaremos alguma coisa e saberemos o que está acontecendo.

“Podemos tampar o ouvido numa cena de esfaqueamento de um filme de terror, mas o barulho vai nos dizer o que se passou”.

E complementa:

“Cinema é composto de imagens e sons. Muitas vezes, não é tão importante entender o que se está dizendo, contanto que se entenda que é um diálogo romântico, ou uma briga, etc”.

Com o intuito de gerar uma atmosfera sonora, a diretora comenta que muitas vezes escolhe com a direção de arte objetos como geladeiras ou ventiladores que tenham um barulho, uma cor sonora para preencher o ambiente.

Lucrecia foi sincera quando questionada sobre sua formação numa universidade pública.

“Não me ajudou muito, na verdade. Minha universidade não tinha muitos recursos e as aulas eram esparsas. Estudei durante a crise Argentina e as verbas eram mínimas. Então acabamos lendo por nós mesmos e vendo muitos filmes. Essa foi nossa formação. Não acho na verdade que seja necessário ter aulas de cinema para trabalhar com isso. Porque grande parte do aprendizado se obtém muito rapidamente praticando e a outra vem da vivência, do seu conhecimento, da sua intuição”.

No tema sobre suas motivações para a escolha do cinema como forma de expressão, Lucrecia admite que se escrevesse bem, provavelmente seria escritora. Sua carreira como cineasta foi acidental. Segundo ela “meu pai tinha comprado uma câmera filmadora quando eu era pequena e disse - Essa câmera custa tanto quanto um carro. Então quem quiser usar vai ter que ler o manual. – eu li, porque nessa época gostava mais de ler manuais do que literatura. Filmei bastante cenas familiares e filmes de cowboys com meu irmão, mas sem nenhuma pretensão de trabalhar com cinema. Na minha cidade ser cineasta era tão difícil quanto ser astronauta. E olha que eu já quis ser astronauta!”

Fazia escola de animação, não só por seu interesse narrativo como por um aspecto quase científico de observação e controle da realidade. Nessa época, seus colegas resolveram ir para a faculdade de cinema e ela resolveu ir junto para segui-los. Depois de um inesperado sucesso de seu curta metragem, outra surpresa: o roteiro de “O Pântano” recebeu o prêmio do Sundance Film Festival. A partir daí, seus dois outros filmes tiveram a produção de Almodóvar.

Agora, que não tem nada para compartilhar com o público, Lucrecia está em busca de outros modelos narrativos.

No debate que aconteceu no Instituto Moreira Salles na última sexta feira, (4 de dezembro) a diretora mostrou ter uma visão pragmática do cinema por um lado, mas também fantástica por outro.

Acredita na diversidade cinematográfica, na necessidade de produzirem-se filmes dos gêneros mais variados, desde açucarados hollywoodianos a filmes cabeça. “Não importa se é bom ou ruim. Há filmes para determinados momentos. Depois dos gregos, ninguém criou tantos mitos quanto os americanos criaram”.

Admira a mentira fílmica. “Tudo no cinema é falso. Acho fantástico. Pessoas que não são da mesma altura parecem ser, corpos que caem do segundo andar sem se machucar, etc. Até os atores que choram sem necessidade de estarem sofrendo. Não acredito em torturá-los. Não suporto ser torturada”.

Já num âmbito menos prático, a roteirista de “La cienaga” comenta acreditar no poder de apropriação que o cinema, assim como outras formas narrativas, possuem em relação ao que está a nossa volta. “Quando se conta uma história sobre uma casinha no alto de uma montanha ou se filma uma base prolífica, está-se criando afecção em torno desses lugares. Se alguém tentar destruí-los mais tarde, haverá pessoas que tentarão conservá-los e protegê-los”.

Essa apropriação nos leva ao segundo ponto que tocou na palestra, a transformação da realidade através da narração. “A realidade é o que queremos que ela seja. Não acredito num real uno e definitivo. Por isso gosto de cineastas que mostrem o mundo com mais fluidez, sem defender uma determinada realidade como certa ou natural, como Buñuel ou Aldrich”.

Depois de tudo isso ainda deu tempo de comentar assuntos políticos da Argentina e da América Latina.

Impossível relatar todas as suas respostas aqui. Tentei resumir ainda que seguindo fielmente seu discurso, para dar uma idéia de sua sensibilidade como diretora e capacidade de transmitir suas idéias de forma descontraída e inteligente ao público curioso e admirador de sua obra.

Acústica: de elevador

2009-11-23T12:08:00.000-08:00

Acústica: de elevador
maneirismos: de um cantor grunge (fenomeno que se figura principalmente na pronúncia de breath e fearless)
cor: fundo esverdeado. provavelmente um branco adaptado.
letra: massive attack, não conheço muito, mas estou mais intrigada a conhecer.
instrumento: um violão. aparentemente. mas sonoramente uma percussão se faz presente.
a voz dele viaja irregularmente pelo espaço. abaixa, equaliza, sobe, e volta.sempre agradável.
incrível como maneja os sons, distintivamente de uma batida para outra, de um lugar no violão para outro, de uma mão aberta para uma semi aberta.como dedilha e solta o verbo e os dedos, que flutuam pelas cordas.
o som um pouco metálico só mais credibilidade, se é que isso faz algum sentido.
e pra finalizar, balança o violão, gerando ondas das ondas sonoras. provocando um efeito simples mas eficiente.

Newton Faulkner

Teardrop:

Love love is a verb
Love is a doing word
Fearless on my breath
Gentle impulsion
Shakes me makes me lighter
Fearless on my breath

Teardrop on the fire
Fearless on my breath

Night night of matter
Black flowers blossom
Fearless on my breath
Black flowers blossom
Fearless on my breath

Teardrop on the fire
Fearless on my breath

Water is my eye
Most faithful mirror
Fearless on my breath
Teardrop on the fire of a confession
Fearless on my breath
Most faithful mirror
Fearless on my breath

Teardrop on the fire
Fearless on my breath

you're stumbling into
you're stumbling into

500 dias com ela

2009-11-15T15:09:00.003-08:00

This is not a love story. True or false?

(Essa não é uma história de amor. Verdadeiro ou falso?)

Vejamos....

Começo por um dos elementos mais importantes do filme: a trilha sonora. Composta de acordo com o gosto musical dos personagens e seguindo o caráter leve, melancólico, às vezes, mas principalmente carinhoso da linha narrativa. Dentre as principais canções, estão The Smiths, Regina Spektor, Pixies, Carla Bruni, Paul Simon e a própria banda de Zooey Deschanel: She & Him.

O filme de estréia de Marc Webb como diretor nos dá a oportunidade de acompanhar o processo do relacionamento de Tom Hansen e Summer Finn.

Os tais 500 dias são a duração desse ciclo: rapaz conhece moça, rapaz se interessa, moça fica intrigada, um beijo acontece, um beijo leva a dois, três e quando vêem estão se beijando na horizontal. Da cumplicidade e do riso se faz a careta e o drama por algo que você nem entende. Do término vem a dor e a vontade da reconquista. Quando esse desejo não se realiza e você percebe que é incontornável, vem o buraco, o fundo e a subida. A necessidade de mudança e de perceber que aquilo foi só uma dificuldade, uma tristeza, uma das muitas que sentirá, mas que de forma alguma deve ser visto como o fim do mundo e nem como algo ruim.

E um dos grandes méritos do filme é conseguir mostrar todos esses procedimentos de forma descontraída, simples, mais realista do que normalmente vemos: a antecipação, as expectativas, aquele começo quando aceitamos tudo que o outro diz porque não queremos estragar nada, mesmo que saibamos que podemos nos machucar mais tarde, a conquista e todas as investidas que saem pela culatra. Os constrangimentos e a obsessão de interpretarmos cada palavra ou ato do alvo de nosso interesse. Em suma, o período de descobrir o outro: suas manias, suas marcas, seus segredos, as semelhanças entre os dois, as convergências de gostos, etc. Depois da aparente conquista, vem o momento tão esperado de se sentir a pessoa mais feliz do mundo.

Duas pessoas se conhecendo. Não sabem o que o outro vai dizer ou fazer. Aquela insegurança de estar se entregando a um recém desconhecido.

Summer lhe diz, depois de um desentendimento, que não pode prometer nada, não pode dar garantias de que vai acordar todos os dias sentindo a mesma vontade de estar com ele (ninguém pode). E diante da necessidade de alguma consistência, como ele mesmo diz, reafirma que não é um rótulo de namorado(a) que lhes dará isso.

Apesar dos empecilhos e da aparente certeza de que Summer não quer se envolver, Tom percebe seu processo de desabrochar acontecer na frente de seus olhos. Ele, indivíduo naquela dupla que, como quase sempre há, está mais apaixonado do que ela, nota as barreiras desmoronando e acredita que em algum momento será correspondido com um sentimento tão forte quanto o seu. Mas as coisas não são simples assim na vida e nem sempre acontecem como queremos....

Ao que nos leva ao segundo e grande mérito do filme. Seu conceito de amor, de final feliz não segue o mainstream de comédias românticas americanas, em que quase sempre podemos adivinhar os passos seguintes e certamente o desfecho.

Diferente do que comumente vemos, “500 dias com ela” defende que não há apenas uma pessoa para cada um. Achar que só existe UMA, alma gêmea, a ser encontrada e capturada é esperar um par idealizado e se fechar para qualquer outra possibilidade. Como um dos melhores amigos de Hansen mesmo diz, a mulher IDEAL dele provavelmente seria muito diferente daquela com quem está, mas ele prefere essa, por ser REAL.

Há uma cena em que Tom está prestes a se demitir, coração partido e indignado com a falsidade de dizeres dos cartões que têm ajudado a escrever e vender. Diz que é culpa de filmes, músicas e cartões como esses que sempre esperamos algo que acabamos por não encontrar. Por mais que essa reação seja um certo exagero, fruto de sua desilusão, há um fundo de verdade nisso. Somos muito influenciados por aquilo que vimos e ouvimos. Essas representações do que seria amar, estar apaixonado, ter um amigo, ter um término, sofrer, etc... que só fazem nos confundir.

Porque na verdade o que mais vemos são falsas interpretações que se pretendem verdadeiras. Filmes hollywoodianos que escolhem UM dos milhares de caminhos possíveis, mas que não necessariamente é o certo. Ao invés de vermos filmes e ouvirmos músicas que nos ajudem a lidar com nossas situações, questionamentos e sofrimentos, vemos espelhos que não nos representam e achamos que os errados somos nós. Estamos incessantemente a espera de algo que vimos antes, de um pré-conceito. Achamos que a não ser que sintamos aquilo que Hannah Montana ou Julia Roberts disse sentir, não deve ser verdade.

Depois desse grande desvio de caminho, (dês)abafado, continuo na exposição dos meus elementos favoritos:

Quando Tom conversa com sua amiga mais nova e sábia, muito importante para sua recuperação, ela lhe diz para parar de pensar apenas nos momentos bons e em quanto eles combinavam, mas pede para que ele dê uma vista geral, mais minuciosa e perceba que nem tudo era tão perfeito e incrível como imaginava. Ao pensar com mais atenção, Tom vê que realmente ouve momentos bons e ruins. Não necessariamente Summer era tão compatível assim e o simples fato dela não corresponder seus sentimentos como ele precisava, já indica um bom motivo de separação.

Porém não há necessidade de melodrama. Como os personagens dizem numa de suas conversas:

Todas essas pessoas que você namorou parecem bacanas. O que aconteceu?

O que sempre acontece. A vida aconteceu.

Na vida, passamos por períodos difíceis, desilusões, sofremos! Mas seguimos em diante! E aprendemos.

O que me leva ao terceiro grande mérito do filme: a aproximação dos personagens na tela com nós mesmos e nossos amigos. Eu estar citando as situações do desenrolar ficcional é apenas um artifício para mostrar o quão parecidas com nossa vivência essas são.

As brigas e as motivações que os unem são muito mais próximas da nossa realidade. Assim como essa não definição de relacionamentos, resultado de um fenômeno recente, que se recusam a colocar rótulos.

A intimidade que permanece quando os dois voltam a se encontrar, o carinho que não se desfaz. A dor que sentimos ao ouvir que um novo alguém é capaz de oferecer o que nós não pudemos. A mão sobre a mão de desfecho.

O momento em que a tela é dividida entre realidade e expectativa é sensacional. Todos já sentiram isso.

O que a uma hora e quarenta nos mostra é que a experiência que ambos tiveram juntos valeu a pena. Esse momento que dividiram serviu para que aprendessem, se divertissem e conhecessem uma outra pessoa que sempre irão admirar e amar.

Uma quarta conseqüência desse encontro foi um ter ajudado o outro a mudar, a enxergar certas coisas que antes não viam. Conclusão essa que podemos tirar tanto da atitude de Hansen...

...é necessário estar bem consigo mesmo, sozinho, autosuficiente para que outra pessoa possa nos dar valor e para que possamos olhar ao redor. O amor que ele sentia por ela equilibrava todas as imperfeições de sua vida. Contanto que os dois estivessem bem, ele podia estar num emprego que não gostava. Percebe então que estar com outro deve ser um complemento a uma já contentação pessoal.

... quanto da de Summer, que percebeu que pode ser surpreendida pelo inesperado.

A narração vem dos momentos mais pertinentes, viradas importantes na vida de Hansen, com um caráter muito narrativo e quase irônico, em harmonia, mais uma vez, com a sensação leve do filme.

Como o narrador diz logo no início temos duas situações opostas que podemos dizer ao final serem ambas incorretas.

ele achava que a vida seria realmente feliz e completa somente quando encontrasse a mulher ideal.
ela não acreditava que houvesse nada tão forte ou significativo quanto a idéia de amor que todos disseminam.

Depois de tantos aprendizados que podemos captar, um dos que mais gosto é que não há caminho certo. Não há fórmula ou receita para saber o que sentimos e o quão verdadeiro o sentimento é. O que há é o acaso. Encontros, coincidências...

Mas a vida é assim, uma série de encontros e desencontros imprevisíveis. E o que fazemos dessas coincidências é que muda nossas vidas.

Um filme delicado, que não precisa inventar grandes eventos, reconquistas ou finais tradicionalmente felizes para mostrar o que bem estar pode ser. Um filme com o qual muitos vão poder se identificar, que fala mais diretamente e abertamente ao público e que gera finalmente um pouco de conforto, ajudando esse público a compreender e se recuperar de suas próprias dificuldades. Ainda, um filme de amor sim. Pode não ser o tipo convencional que acaba em casamento, mas amor de amizade, de alegria, de amar.

Filhos bastardos do cinema de guerra

2009-11-09T10:01:00.000-08:00

Inglorious Bastards, de Quentin Tarantino é um de seus filmes mais maduros e políticos. Como justificar isso? Tentarei.

As influências de diretores como Sam Peckinpah e Sergio Leone continuam lá, (in)sãs e salvas. Desde a estética da violência, com direito a câmeras lenta e expressões desgraçadas dos personagens ao atirarem de um a uma atmosfera de tensão e traição do outro.
Os primeiros 15 minutos são magistrais, uma abertura quase épica. Uma aula de cinema em "como criar tensão e gerar expectativa no espectador, parte um".

Me lembrou bastante o começo de Era uma vez no Oeste. Os gestos lentos, o silêncio, a espera, a não explicação ao espectador logo de primeira do que está acontecendo... Além disso, a trilha sonora misturando "Pour Elise" com um violão "flamenco", contextualiza a dramaticidade daquele momento e ainda atualiza o clássico de Beethoven.

A calma com que tudo se desenrola naquelas primeiras cenas na casa do senhor Lapadite: servir o leite, acender o cachimbo, a educação e polidez do Coronel e do chefe da família, a paciência e meticulosidade de cada gesto e palavra são impressionantes e provocam eficientemente a sensação de tensão quase superficial (de superfície, não falsa) pretendida pelo diretor. Além de ser uma fantástica maneira de se apresentar um de nossos protagonistas.

Momentos de tensão como esse são espalhados por todo o filme. A antecipação da chegada do Judeu Urso, com apenas o som do taco de beisebal ecoando de dentro da caverna, ou a cena das armas apontadas em direções opostas debaixo de uma mesa, e ainda uma, quase versão subversiva de cinderela, dentre outras são alguns exemplos.

Meu comentário deste ser um filme político, advem de dois fatores.

Um - todos os personagens são caricatos. Ninguém se salva. Americanos são burros e rudes, alemães são inquietos, fortes e raivosos, alguns simplesmente maus e ingleses são polidos e exagerados na dicção das palavras e em sua educação. Essas são algumas possíveis, mas não finitas interpretações. O que quero dizer é que não há dois lados caracterizados: maus e bons. Ambos os lados são atraentes em seus personagens e cretinos. Ninguém está imune aos terrores da guerra. Os próprios judeus, inesperadamente, estão sendo mostrados como assassinos em busca de vingança. Há um equilíbrio admirável entre os dois lados: Aldo Raine e Coronel Hans Landa de um lado, a judia e o soldado nazista simpático do outro, Hitler mimado e ridículo e Churchill gordo e de meias palavras, etc. Acho até que o comportamento dos judeus (violento e vingativo) é razoavelmente justificado pela caracterização também exagerada dos nazistas e pode ser tido apenas como um artifício para gerar humor durante o filme quase inteiro. O momento mesmo em que para mim esse discuroso muda é o que me levará ao segundo fator:
A cena final de Bastardos Inglórios me parece (e sei que é uma das possíveis interpretações) um discurso claro de Tarantino como uma crítica não só ao cinema de segunda guerra, como ao espectador comum e à própria guerra.

Quem não viu o filme, não leia o que vou escrever aqui:

Quando a sala de cinema pega fogo e todas aquelas pessoas estão sendo queimadas vivas, desesperadas por uma saída, aquele ato de justiça pretendido pela judia torna-se crueldade, vingança, desumano. É difícil rir ou tirar satisfação daquele momento, pelo menos para mim. E para finalizar vem o ápice do absurdo, quando os dois bastards metralham Hitler e seus acompanhantes, destruindo assim a fonte e a pirâmide do poder nazista. E não bastando mudar completamente os rumos da história, Tarantino reafirma a ação: Donny Donowitz metralha até destruir completamente a cara de Hitler, num ato e num ângulo quase Rambo ou filme de metralhadoras que o valha. É o momento que todos na platéia estavam esperando, mas não achavam, que ia acontecer. A ultra vingança, a vingança última do espectador. Dar a Hitler o que ele merece. Mas a cena é construída de forma tão exagerada que chega a ser patética. Ele está dando o que o público quer. Está dizendo, "é isso não é? sem nenhuma piedade. vamos destruir todos aqueles nazistas desgraçados." Mas no final das contas o bastard que o mata está se igualando às imagens do filme que estava passando, "O Orgulho da Nação", em que grande parte dos minutos mostrados é preenchido por muitas mortes, uma atrás da outra.

Bom. Resumindo. Creio que o filme mostra que numa guerra não há vítimas nem culpados. Ninguém está impune ou isento dos horrores, todos acabam se rebaixando aos atos mais terríveis e a crueldade passa a ser a lei.

A crítica que mencionei ao cinema feito pós 45 vem da forma de retratar Hitler, que além de recurso cômico, é genial por nos mostrar quão ridícula era a maneira com que costumávamos pensá-lo: louco, sem personalidade, nenhuma simpatia, etc. Filmes dessa época retratavam comunistas e nazistas como robôs malvados, pessoas sem nenhuma compaixão. No máximo eram astutos e inteligentes, mas nunca mereciam um respiro de hesitação na hora de serem executados. Por serem inimigos (americanos e portanto, de Hollywood), não mereciam maiores complexidades de caráter. Deveriam ser vistos sem piedade.

Outro ponto que admiro é a narrativa instável, que não segue um padrão lógico nem previsível, muitas vezes fazendo exatamente o que não esperávamos.

E finalmente, como não poderia deixar de ser, Tarantino ama cinema, e neste filme sua devoção vai muito além das citações e claras influências. O cinema tem um papel fundamental na narrativa e nos personagens. É tida como metáfora em diversos momentos:

Quando Brad Pitt diz que um espancamento é o mais próximo de um filme que eles teriam, está falando de um cinema espetáculo, que gera entretenimento.
Há o cinema como resistência, no caso do filme, levado ao extremo e usado como arma de vingança.
Espaço de encontro. Um local que reúne as pessoas.
Cinema de arte, a cima de qualquer nacionalidade ou teoria política (até hoje os filmes de Riefenstall são tidos como obras prima e o personagem do soldado inglês, um ex crítico de cinema, era um admirador do expressionismo alemão).
Cinema como propaganda e fonte de contágio de valores morais, por mais terríveis que possam ser.

Enfim, é pelas referências, pela capacidade de fazer rir e falar sério, pela reflexão que gera sobre a linguagem cinematográfica e a forma que esta lida com a história, pela maestria na execução de planos e cortes, diálogos como sempre inteligentes e exatos e por seus personagens sedutores... é que Bastardos Inglórios é um dos melhores filmes de Tarantino.

Frases que fazem sorrir

2009-11-08T06:03:00.000-08:00

Este ano, Yoko Ono recebeu o prêmio Leão de Ouro de Lifetime Achievement na Bienal de Veneza.
Para comemorar, mais de mil outdoors foram espalhados por diferentes cidades da Itália. Bologna, Padova, Milão, Veneza, Florença, Roma, Mestre e Verona.
Conteúdo do outdoor, uma palavra: DREAM e embaixo, em letras menores, Yoko Ono 2009.
Uma iniciativa simples, uma palavra óbvia, um verbo infinitivo, quase um livro poema ao ar livre.
Mas uma definição não é importante, o que importa mesmo é a reação das pessoas.
Não há muito a ser dito... Creio que cada um pensa em outras muitas frases depois de olhar para o outdoor.
Tudo que sei é que me fez a faz sorrir e pensar que tudo é possível.

A dream you dream alone is only a dream
A dream you dream together is reality
Yoko Ono

A change is gonna come - Um primeiro passo

2009-11-06T11:39:00.000-08:00

A ler, escutando "A change is gonna come" - Sam Cooke

http://www.youtube.com/watch?v=wUT1WgHat6I

Bom dia!

então.

Tenho pensado em como é difícil olhar a nossa volta e perceber o que acontece.

Acabamos ficando tão absorvidos em nossos próprios problemas, familiares, amorosos, profissionais e com nós mesmos, que não tem muito espaço para outras preocupações.

E isso não é uma crítica. É apenas a realidade. Já é terrível para um motorista de ônibus ter que escutar diariamente críticas ao seu trabalho..

Um homem segurando no ombro sua camisa do flamengo levanta-se e chama-o de jumento porque este não quis abrir a porta em um lugar que não era mais ponto. Uma coisa é o motorista responder com educação ao passageiro que esta não é mais uma descida. Se ele abre ou não vai depender do julgamento de valor dele. E o outro, sem blusa, e sem modos, não tinha o menor direito de invadir seu direito de decisão e ainda chamá-lo de jumento. Pra piorar, o rapaz, que não percebeu que estava sendo mesquinho, continuou a conversa sobre a incompetência do motorista com os passageiros de trás.

O que quero dizer é que vemos esse tipo de comportamento todos os dias. Como podemos nos concentrar em outras pessoas, no mundo, no aquecimento global, no desmatamento da Floresta Amazonica, nas decisões do ministro da educação, e tantos OUTROS se tem sempre alguém nos deprimindo, nos desrespeitando, nos prejudicando ou nos desconcentrando? Uma pessoa com raiva não vai conseguir ser solidária, não vai ver os dois lados de uma situação, não será compreensiva. Estará pronta para descarregar sua raiva e insatisfação em outros. E assim por diante.

Então eu sugiro um pacto.

Uma tentativa geral e coletiva daqueles que conseguem ver essa situação acontecendo e que, como eu, querem mudar (alguma coisa).

Em primeiro lugar, com calma, tentar nós mesmos entendermos aqueles a nossa volta. Um chefe estúpido, uma pessoa mal educada, etc... As vezes eles tiveram um dia ruim... e se esse não for o caso, ter raiva deles e falar mal pelas costas não vai resolver nada. As pessoas sempre têm um lado que não conhecemos. Claro, você pode continuar não gostando do indivíduo, mas talvez em algumas situações, seja possível conversar com ele e mostrar que está sendo intolerante, incompreensivo, etc.

E se você estiver numa situação como essa do ônibus e tiver vontade e abertura para falar algo, diga o que pensa. Mas sempre com calma. Porque no momento em que a gente começa a agir que nem o rapaz brutamontes do exemplo, parecemos imbecis descontrolados. Chamar o motorista de jumento não ajuda em nada, só prejudica. mas chegar pra ele e dizer, poxa mas o cara não sabia que o ponto mudou, abre lá pra ele, por favor? sei lá...

enfim, esse papo meio cristão é só uma tentativa de chamar atenção pra situações que vivemos em nosso dia a dia e que acabamos deixando passar.

Converse com as pessoas. CONVERSE MAIS!

Existe tanta gente nesse mundo e muitas são completamente diferentes de você.

Seja ela de uma religião que você detesta, fale coisas das quais você discorda ou o que for. Converse, quem sabe há alguma opção de diálogo?

Na praia com Agnès

2009-10-25T20:45:00.000-07:00

Um andar calmo. Uma inquietude serena, o olhar vibrante e expressivo. Um encantamento com as coisas, próprio de uma criança. Agnès Varda olha para o mundo como se sempre fosse a primeira vez.

Essa mulher, senhora, cineasta, super simpática e carinhosa que desata a falar depois que se sente a vontade é uma força ambulante, energia impaciente, que esbanja conhecimento. Não somente um conhecimento de livros, mas um advindo da experiência, ingênuo, repleto de impressões e sentimentos.

Ela consegue extrair beleza de quase qualquer coisa. E gerar questionamentos das mais simples paisagens. E mostra no dia a dia que tudo está ali, depende apenas da sua forma de ver o mundo, de um ângulo, de uma espera por um plano perfeito, simplesmente do seu olhar.

Tive o privilégio de conversar com Agnès nos três dias em que esteve aqui para o Festival do Rio. Aprendi muito, apenas observando sua humildade, integridade, honestidade e senso de humor. Até mesmo fechar uma caixa com barbantes pode se tornar um evento e uma fita vermelha se transformar numa gravata enlaçada por ninguém menos que ela para ser um presente de despedida.

Para quem nunca assistiu um de seus filmes, aproveitem que há vários curtas e médias metragem no youtube. Eu recomendo “Salut Les Cubains”, “documentário” que ela fez em 1962, quando esteve em Cuba; Black Panthers, sobre o movimento dos Pantera Negras nos EUA e L’Opera Mouffe, uma montagem de imagens filmadas na Rua Mouffetard, em Paris, no ano de 58.

Conhecendo ou não sua obra, “As praias de Agnès” é um filme necessário. Não atinge apenas os cinéfilos ou amantes da nouvelle vague e de seu trabalho nesse período. Atinge a qualquer um que admire o belo e que preze por momentos de magia.

Agnès abre as portas de seus 80 anos e conta sua vida, seus temores, suas alegrias e suas dores. Te dá energia de vidas a fio apenas mostrando do que ela foi e é capaz até hoje. Além disso, é um filme de amor. Amor pela vida, por sua família, pelos filmes, pelas praias…

Um amor também incondicional pelo marido Jacques Demy, falecido há quase 20 anos, que por mais sofrer que possa ter causado, é lembrado com carinho, admiração e sem desespero, num clima “que seja eterno enquanto dure”.

Ao longo desses tres dias pude observá-la.

Varda ama cores. Anda colorida como só ela. Admirou e comprou vários vestidos brasileiros. Dá uma aula de empacotamento com direito a “Viu? Já podemos trabalhar profissionalmente numa loja de embalagens!”.

Na praia, no último domingo de sua estadia aqui, Agnès filmou o mar, procurava a linha do horizonte em meio aos reflexos do sol na tela de sua pequena câmera. Ajudei-a a criar sombras, mas o efeito não era o mesmo. Essa incapacidade a deixava indignada (“Não dá pra ver nada nisso! Não vejo nada! Que que eu vejo? Eu mesma, é o que eu vejo”). E na hora de fotografar o mar, ela não se apressava. Esperava a onda perfeita. Fez algumas tentativas, mas não desatou a fotografar como é de costume na era digital. Tirava uma foto. Não era o que queria, esperava… tirava outra. “Pas mal…”

Eu, na minha mudez estarrecida de admiração só escutava as lições que Agnès passava, assim, como quem fala de receita de bolo ou de sobre como tá quente o dia hoje. A impressão que me dá é que essa mulher transborda paixão. O lirismo presente em um simples comentário sobre a luz das sete da manhã, a mais bonita segundo ela. “Não há outra melhor que essa, a luz lateral. Veja como ela preenche as formas, dá textura…”

O deslumbramento que flores caídas no chão lhe causam, a vontade de conhecer museus, a curiosidade de saber lugares, bairros, de aproveitar cada momento ao máximo. Varda vive descobrindo o que está a sua volta. Fala de seus queridos amigos ou familiares com muito amor e admiração. Não faz nada para agradar ninguém.

“Você tem que alimentar o espectador. O diálogo ja é a cena. A questão é que não pode mostrar apenas duas pessoas se despedindo na estação de metro, você precisa dar sustância ao público” – disse em resposta a uma pergunta minha.

Nos últimos minutos antes de ir pro aeroporto, ajudei-a a arrumar suas coisas e ela filmou a praia do Leme cheia pela janelo de seu quarto, subindo a câmera dos desenhos das pedras portuguesas, passando pelo mar de gente até chegar a água. Esse diário de imagens que ela está construindo é bem mais interessante do que qualquer aula de cinema que pudesse dar falando. E ao final, fui presenteada com uma pose para que pudesse fazer um retrato. “Vou tentar sorrir pra você”.

Fotografei também as lindas flores que ela, muito decepcionada, teve de deixar aqui por restritas leis aéreas.

A senhora de cabelos bicolores que diz ter deixado assim só pra se divertir disse, como veredito, ter adorado as praias brasileiras. Gostou também do evento e de conhecer pessoas ávidas por cinemas.

Mesmo admitindo certas limitações físicas, decorrentes de sua idade, a calma e a segurança em seus gestos e palavras (palavras essas certeiras que vão sempre direto ao assunto), transpassam a sabedoria dessa jovem senhora.

Um coração sábio e vivido, um corpo um pouco cansado, mas teimoso que só ele. Linda, definitivamente uma das mulheres mais lindas que já conheci.

Relembrar é viver

2009-10-19T18:22:00.000-07:00

American Boy é um filme que Martin Scorcese fez em 1978, dois anos após o grande sucesso de Táxi Driver, mas também imediatamente posterior à realização de New York New York, numa época em que passava por um momento de depressão e se questionava sobre sua vocação como cineasta, por talvez estar desviando do caminho que havia pensando em tomar quando decidira trabalhar com cinema.

"If this movie doesn't do big I'll shave, or start doing cocaine”.

Foi o que ele disse antes do musical sair em cartaz. Com a desaprovação do público confirmada e o fracasso de bilheteria após seu primeiro filme de grande orçamento, Martin acabou cumprindo uma das profecias.

E ele não fez a barba.

Em meio a boatos sobre um suposto relacionamento confuso com Liza Minelli e dúvidas sobre seu talento e suas escolhas como diretor, Scorsese faz American Boy, um média metragem de 50 minutos cujo tema e protagonista é um de seus amigos mais próximos naquele momento, Steven Prince.

Steven, que na época tinha 20 e tantos anos, havia exercido muitas profissões até 78, desde holdie de Neil Diamond até atendente em posto de gasolina. Mas naquele momento estava se consolidando no mundo de Hollywood, já havendo atuado em papéis secundários de Táxi Driver (Easy Andy) e New York New York. Mesmo bastante jovem Prince tinha muitas histórias pra contar e Scorsese, após pesquisas e anotações, resolveu chamá-lo para contar algumas de suas anedotas numa filmagem informal.

Apesar de encontrarmos alguns furos em sua vasta cinematografia, algo que me sinto a vontade em afirmar é que Martin Scorsese ama cinema e ama o que faz. Isso fica claro nos planos, na luz, no som, em cada detalhe de seus filmes, aos quais percebemos que ele deu toda a atenção possível, tirando, às vezes, até mesmo uma possível falha bem vinda ou deixando um tom superficialmente perfeito. Talvez por ser meticuloso demais, não deixa espaço para o acaso, para reações espontâneas ou erros.

American Boy é um respiro libertário em que tudo não precisava ser perfeito e bem acabado e um momento em que Scorsese abre espaço para o público se aproximar. Isso acontece em dois níveis: um é a forma que ele se coloca no filme.

Está sempre presente (visualmente ou por meio de sua voz, comentando ou fazendo perguntas), mas deixando-se de lado para destacar o verdadeiro astro, Steven Prince. Uma ótima cena para demonstrar isso é quando George, o dono da casa, vai abrir a porta para Prince e inicia uma (falsa?) briga, até que o mesmo, diz “You! Scorsese!”. Ao que este responde “What?”. Ou seja, ele só estava se restringindo ao seu papel de observador, deixando a ação se desenrolar e captando as imagens que se apresentavam a ele.

Martin Scorsese se mostra um verdadeiro maestro, que está ali para reger os instrumentos: luz, câmera, atores, o discurso, etc. Um belíssimo exemplo é quando George declara já ter ouvido de Steven que overdose não seria uma maneira ruim de se morrer. “You just get higher, and higher, and higher....” e quando Steven, do outro lado da sala começa a repetir também “higher and higher...”, Marty simplesmente faz um movimento com o braço indicando para a câmera fazer uma pan até chegar nele.

É esse equilíbrio entre protagonista e figurante que encanta. Ao mesmo tempo em que coordena tudo, muito ciente do que está acontecendo, é humilde e carinhoso. Não trata Steven apenas como um objeto temático ou um personagem, mas como um amigo.

Tão tenso de ter feito algo grande, com altas expectativas e responsabilidades, e ainda decepcionado com o resultado, resolveu se dedicar a algo que pudesse realizar rapidamente, entre amigos e sem grandes requisitos.

Tudo que ele precisava era de película, uma pequena equipe que fizesse o som e a câmera e um amigo cheio de histórias fantásticas para contar. Se verídicas ou não, isso não importava. O importante era a química entre Prince e Scorsese e Prince e a câmera. Ele domina o público com sua personalidade espalhafatosa e seus vários personagens, às vezes sombrio, outras hilário. Sem falar de sua presença física mesmo, muito marcante através da voz esganiçada, fundas olheiras, olhar esbugalhado, um jeito um pouco frenético e muito gestual de falar.

Entre momentos cômicos e absurdos, presenciamos também a vulnerabilidade de Prince ao falar sobre seu histórico com as drogas, a vez que matou uma pessoa e sua relação com o pai. Um dos depoimentos pérola é a descrição que mais tarde foi usada como uma cena por Quentin Tarantino em Pulp Fiction.

Assim, após mais ou menos, 12 horas de material filmado, 50 minutos foram selecionados na edição final, aos quais foi adicionada uma música de Neil Young, algumas cartelas e cenas de vídeos caseiros ilustrando o que seria a família de Prince.

O que nos leva ao segundo aspecto muito importante de American Boy: a aproximação do público através da exposição do dispositivo.

Seu tom quase caseiro e a intimidade com a qual foi realizado dá ao público a oportunidade de observar alguns dos procedimentos de feitura do filme, desde discussões sobre a quantidade de película no chassi, até frases como “Isso vai ter que ser editado, porque senão estragaremos o final da história”.

Vemos refletores que estão sendo usados como iluminação nos cantos do quadro e microfones “sobrevoando” suas cabeças. Percebemos a naturalidade do processo de filmagem, pela câmera na mão; sua mobilidade e enquadramentos soltos; o plano e o foco sempre ajeitados, à medida que as coisas acontecem e a maneira informal com que tudo está organizado. Por tudo isso, pelos cortes abruptos e pelo fato da câmera quase nunca filmar Steven de frente, que está quase sempre falando para Marty ou para todos, nos sentimos mais um no meio a roda de amigos, ouvindo histórias e dando risadas.

Ainda pensando em seu papel como maestro, aprendemos um pouco sobre Scorsese e seu processo como diretor e entrevistador, através de momentos em que percebemos que está guiando Steven, ao fazer pequenas perguntas que impulsionam o discurso e guiam a entrevista. Ou através do bloco de folhas que o acompanha sempre, certamente um roteiro com idéias e anotações de histórias que ele gostaria de colocar no filme.

A última cena é um epílogo que resume bem o sentido do documentário. Ao falar sobre o relacionamento recente com seus pais, Prince se vê requisitado a repetir-se algumas vezes, pois Scorsese acredita que o relato dramático foi contado de forma muito leviana. Acompanhamos a mudança no tom de voz e na forma com a qual ele fala e sentimos até mesmo que é doloroso falar seriamente daquilo.

Nesse momento temos todos os elementos a mostra: personagem, diretor e dispositivo e é onde Scorsese exerce mais ativamente seu papel, assumindo completamente sua função de regente, que antes poderia estar sublimada, mas que se pensarmos bem, estava sempre ali: na escolha do formato, na decisão de expor o dispositivo da filmagem, na única música de Neil Young “Time Fades Away”, etc.

. American Boy é um filme simples e sincero que não está em busca de nenhuma grande verdade, mas prova que qualquer dúvida que Scorsese ou qualquer um pudesse ter em sua vocação como cineasta é desnecessária.

Viajo porque preciso, volto porque te amo

2009-10-14T07:23:00.001-07:00

Lembrando sempre que falo apenas dos filmes que pude assistir, os três que destaco na seleção competitiva nacional são, não por acaso, filmes que revolucionam, cada qual do seu jeito, a estética e a temática dessa geração cinematográfica nacional em que nos encontramos.

“Viajo porque preciso, volto porque te amo”, longa dirigido pela parceria de Karim Ainouz e Marcelo Gomes é um filme sensível e lindo. Uma beleza que não é óbvia, mas que advem da sutileza e do sofrimento de seu personagem principal, assim como da crueza e do lirismo sincero das imagens.

Ambos diretores haviam filmado e fotografado durante as buscas de locação ou até mesmo durante a produção de seus filmes anteriores que se passavam no nordeste brasileiro. “Cinema, aspirinas e urubus”, assim como “Céu de Suely” foram material bruto do novo longa feito pela dupla. Engraçado como aquele material de pesquisa, que teoricamente seria o rascunho dos filmes mencionados se transformaria em linguagem e memória de um novo personagem, completamente destacado e independente das histórias que contaram anteriormente.

Uma das coisas mais surpreendentes é que nada parece estar fora de lugar. Por mais que sejam usados diversos formatos: digital, película - 16mm, 35mm, Super 8 - máquina fotográfica, as imagens todas se encaixam na narrativa sofrida e à flor da pele desse personagem em constante deslocamento.

José Renato, protagonista que nunca vemos, mas que nos guia durante todos os 70 minutos com sua voz calma e forte, parte em busca de conforto e de esquecimento. Após o término com sua mulher, Joana, fato que só descobrimos após algum tempo de filme, o geólogo viaja a procura de consolo, na expectativa de poder voltar a viver sem sofrer, sem lembrar o tempo todo de sua galega. Ou simplesmente na procura de si mesmo, e de respiro, já que se encontra naquela situação em que não consegue se pensar desligado do outro e precisa descobrir essa sua nova identidade unitária e só e nem consegue ver a dor passar.

O processo de superação deste amor, pelo qual ele passa, momento com a qual quase todos podemos nos identificar, é tocante, emocionante e possivelmente até revelador. Ao acompanhá-lo, o espectador fica em um instante estado de "à beira de transbordar".

Não nos é apresentado dados externos sobre essa mulher ou sobre o relacionamento dos dois. Toda a fonte de informação que temos é a memória e a fala de José Renato. Ele mesmo não contextualiza muito nem tenta explicar porque teriam terminado, quanto tempo juntos teriam ficado e nem dá detalhes sobre a felicidade ou tristeza anterior. Fala como num fluxo de pensamentos, que se justificaria por ser um diário de bordo, já que esta viagem tem também um propósito profissional de avaliar a possibilidade de construção de um canal que resultaria da transposição das águas do rio São Francisco.

Entre lembranças e impressões de sua viagem, as divagações de Zé Renato vão formando uma colcha de retalhos, cada pedaço com uma beleza particular, com uma história rica de detalhes, se completando pelo diferente, se encaixando pelas imperfeições.

Marcelo Gomes fala que este filme surgiu da idéia de usar das imagens filmadas na busca por esse sertão místico já tão retratado, mas pouco conhecido, aquelas que mais os impressionavam e os emocionavam. Para isso, precisavam de um personagem capaz de abarcar toda a emoção, a tensão e os questionamentos pelos quais os diretores também passaram.

Fala também que esse filme foi um ótimo exercício para se pensar a arte-profissão que pratica.

“É difícil assistir o filme até o final, por ser tão pessoal. Mas ao mesmo tempo é ótimo, porque acho que fala muito do que nós acreditamos que é fazer cinema”.
Marcelo Gomes

Assim como as contradições das imagens mostradas, ora poéticas, ora sujas, ora inspiradas, ora borradas e tortas, o personagem passa por etapas comuns para alguém em sua situação, de confusão e insatisfação. Um dos momentos mais significativos talvez seja quando diz algo que pode ser compreendido como uma fala dos diretores em relação a sua profissão ou a esta região árida brasileira, ou simplesmente de José Renato em relação à Joana: “Sinto ondas abruptas de ódio e amor por você”.

Além disso, uma das melhores coisas do filme é não só sua complexidade de sentimentos, como a maneira com a qual lida com toda a tristeza e a desilusão. Não é um sofrer apocalíptico e sem esperanças. É um gosto amargo e um processo pelo qual ele sabe que precisa passar antes de ficar bem.

Viajo porque preciso, volto porque te amo é uma raridade da cinematografia brasileira que merece ser vista pelo máximo número de pessoas. Espero que motive outros a pensarem que é possível fazer um cinema delicado, autoral e brasileiro, com poucos recursos, mas bastante sensibilidade e criatividade.

Listagem Festival do Rio

2009-10-14T06:25:00.000-07:00

Quase uma semana depois do término das atividades "Festivalísticas", a cidade começa a voltar ao normal. Um feriado para acalmar e colocar todos em dia com suas rotinas diárias.
Esta que vos fala, Raquel, acabou não conseguindo escrever durante as duas semanas do Festival do Rio porque estava trabalhando no mesmo. Sendo assim, minha rotina se dividia entre trabalhar, ver filmes e descansar por 4 horas, quando possível.
Isso não quer dizer, entretanto, que eu tenha esquecido minhas obrigações para com o site e para com qualquer pessoa interessada em saber sobre os resultados e impressões em meio aos 300 filmes estrangeiros e nacionais da décida edição do evento.
Por isso, resolvi destacar os melhores filmes dos 52 que assisti. Se possível, também prevenir contra algumas bombas e comentar sobre o grande número que fica naquele limbo entre o medíocre e o aceitável.

As três preciosidades do cinema nacional:

O Amor segundo B. Schianberg

Os Famosos e os Duendes da morte

Viajo porque preciso, Volto porque te amo

Curta brasileiro que se destacou:

Bom dia, meu nome é sheila ou como trabalhar em telemarketing e ganhar um vale-coxinha

Melhores Documentários:

American Boy / American Prince
When you`re strange
Doutrina do Choque
It might get loud

Filme com temática gay:

Sinos Silenciosos

Filmes interessantes pela temática:

Nollywood Babilonia
Os Yes Men Consertam o Mundo

Filme Biográfico do ano:

Amália

Filmes que decepcionaram:

Tokyo
Aventura Erótica
O ultimo verao de la boyita
O dia da saia
Maradona

Filmes no limbo:

eu matei minha mãe
Sem vc nao sou ninguem
trafico de almas
a pequenina
o mercado
I am happy
Barba azul
Hotel atlantico
arranca me a vida
Mamae foi ao salao
an education
distante nos vamos
the time that remains
che 2 - a guerrilha
24 city
politist adjetif

Filmes a se evitar:

Um outro Homem
Corredor Noturno
A procura de paz
Cornucopias

Filmes que me surpreenderam (nem tanto supresa em alguns casos, mas certamente foram os melhores longas ficção que assisti):

Bad lieutenant
500 dias com ela
como desenhar um circulo perfeito
distrito 9
o pai dos meus filhos
white material
as praias de agnes
35 doses de rum
O rei da fuga
aquario
mother
inglorious bastards

O Festival do Rio vai muito além das salas de cinema

2009-09-23T21:23:00.000-07:00

A contagem regressiva para o início do Festival de Cinema está terminando. A partir de amanhã, dia 24 de setembro, as atividades começam.

O que poucos sabem, porém, é há muito mais do que apenas sessões de cinema e debates nas salas. Por isso, tentarei brevemente informar o máximo possível sobre as atividades paralelas que também vão ocorrer nas próximas duas semanas.

Por onde começar? Pavilhão.

O evento, todo ano, apesar de espalhado por todo Rio de Janeiro, possui uma base, um local onde reuniões, seminários e festas acontecem. Durante vários anos, Copacabana abrigou a sede do Festival do Rio, mas agora, pelo segundo ano consecutivo, esta ficará localizada na Av. Barão de Teffé 75, no centro do Rio de Janeiro. Este galpão enorme tem espaço pra diversos ambientes e vai oferecer desde atividades privadas àquelas abertas para o grande público. Em geral pode-se dizer que o Pavilhão receberá todos que chegarem, normalmente entre 10 e 21 hrs. Dentre suas muitas atrações há:

Um cinema que funcionará durante toda a segunda semana do Festival, mostrando a cada noite, às 21:00, um filme em 3D de graça. Desde Beowulf a lançamentos recentes como Up, da Pixar. As sessões são sujeitas à lotação e podem ser reservadas pela Internet.

Uma sala que abrigará os cine encontros. Pra quem não sabe o que estes são, já me explico. O cinema Odeon, na cinelândia, passará todos os dias um documentário e uma ficção brasileiros, que fazem parte da mostra Première Brasil. As sessões de 13:00 e de 15:00 são populares, com ingressos a 2 reais. Após o término dos filmes, um ônibus estará na porta no cinema, com a EQUIPE do longa exibido e todos serão conduzidos ao Pavilhão. Lá, haverá uma sala onde se dará os debates. Então, todos que quiserem conhecer e conversar um pouco com os responsáveis do filme que tiverem assistido serão bem vindos. Dos convidados, já estão confirmados Fábio Assunção, Marco Ricca, dentre outros.

Uma sala de games, aberta para o público das 10 às 17 hs, que contará com jogos de última geração. “Os jogos serão disponibilizados nas mais diversas plataformas e consoles, tais como Nintendo Wii, X-Box, PSP, Playstation 3, Playstation 2 e computadores”. Monitores estarão a todo o momento dispostos a ajudar e tirar qualquer dúvida.

Um pequeno set de filmagem equipado com refletores de todos os tipos e tamanhos fornecidos pela Naymar Equipamentos, onde um cenário de um quarto estará montado, a espera de jovens cineastas que queiram filmar algo ali. Qualquer pessoa pode chegar no espaço, que se estiver desocupado, poderá ser usado para filmagens em celular, câmera de vídeo, câmera fotográfica, o que for. Então, vão preparando seu roteiros e corram pra botar a mão na massa.

Workshops dados por grandes nomes nacionais e internacionais e seminários sobre as novas tendências do mercado também ocorrerão nesse tempo. Maiores informações e uma programação completa podem ser encontradas no site www.riomarket.com.br

Para os mais envolvidos com a área, o festival fornece o Rio Screenings, um espaço para “produtores, exibidores, programadores, sales agents e distribuidores em busca de negócios possam ver os filmes disponíveis” e depois, se interessados, se reunirem com os produtores para negociações de compras e vendas.

Alguns stands de empresas de iluminação, som e imagem e até de venda de livros especializados também estarão lá, no segundo andar, para quem quiser conferir.

Há dois restaurantes e alguns lounges com Internet wi fi gratuita.

Ou seja, não há como ficar entediado.

Saindo do Pavilhão, o festival se espalha pelas Praças do Rio de Janeiro. A RioFilme vai aproveitar o evento para iniciar oficialmente o projeto em conjunto com a Prefeitura chamado Cinema na Praça. Durante as próximas duas semanas, 8 praças espalhadas por todo o município exibirão filmes brasileiros como O Guerreiro Didi e a ninja Lili e Se eu fosse você 2. Além das praças, outros locais, como o Sesc de Ramos, Tijuca e Madureira também exibirão filmes gratuitamente.

Sexta, 25 de Setembro
• Largo do Machado – 18:30 Se eu fosse você 2
Sábado, 26 de Setembro
• Providência (Quadra da Comunidade) – 18:30 O Guerreiro Didi e a ninja Lili
• Praça Seca – 18:30 Se eu fosse você 2
Domingo, 27 de Setembro
• Mangueira (Quadra da Mangueira) – 18:30 O Guerreiro Didi e a ninja Lili
• Chapéu Mangueira (Quadra do Chapéu Mangueira) – 18:30 Se eu fosse você 2
• SESC Tijuca (Rua Barão de Mesquita 539) – 13:30 Branca de Neve
Segunda, 28 de Setembro
• Acari (Pça da rua Olaria) – 18:30 O Grilo Feliz 2
• Acari (Pça da rua Olaria) – 20:00 Asterix nos jogos Olimpicos
Terça, 29 de Setembro
• Rocinha (Rua Beta Lutz 80) – 18:30 O Grilo Feliz 2
• Rocinha (Rua Beta Lutz 80) – 20:00 Asterix nos jogos Olimpicos 35mm
Quinta, 01 de Outubro
• Lapa (Praça Monsenhor Francisco Pinto) – 18:30 Se eu fosse você 2
• Esp. Criança Esperança (Cantagalo) – 14:00 Se eu fosse você 2
Sexta, 02 de Outubro
• SESC Engenho de Dentro (Av. Amaro Cavalcante 1661) – 14:00 Branca de Neve
• Paquetá (Praça São Roque) – 18:30 O Guerreiro Didi e a ninja Lili
• Paquetá (Praça São Roque) -20:00 Se eu fosse você 2
• SESC Madureira (Rua Ewbank da Câmara 90) – 14:00 Branca de Neve
• SESC Madureira (Rua Ewbank da Câmara 90) – 19:30 Pele de Asno
Sábado, 03 de Outubro
• SESC Tijuca (Rua Barão de Mesquita 539) – 13:30 Pele de Asno
• Largo do Machado – 18:30 Se eu fosse você 2
Domingo, 04 de Outubro
• 18:30 Tavares Bastos (Quadra da Comunidade) – Se eu fosse você 2
• Urucânia (CIEP Alberto Pasqualine-Rua Clion Cunha Brum) – 18:30 Se eu fosse você 2
Segunda, 05 de Outubro
• Cajueiro – 18:30 O Grilo Feliz 2
• Cajueiro – 20:00 Asterix nos jogos olímpicos
Terça, 06 de Outubro
• Vidigal (Praça do Vidigal) – 18:30 O Grilo Feliz 2
• Vidigal (Praça do Vidigal) – 20:00 Asterix nos jogos Olimpicos
Quarta, 07 de Outubro
• Asa Branca (Av. Salvador Allende) – 18:30 O Grilo Feliz 2
• Asa Branca (Av. Salvador Allende) – 20:00 Asterix nos jogos Olimpicos
• SESC Ramos (Rua Teixeira Franco 38) – 10:00 Branca de Neve
• SESC Ramos (Rua Teixeira Franco 38) -14:00 Pele de Asno

Essa iniciativa vai continuar ao longo de todo o ano e seu objetivo é completar, contando com essas de agora, 96 sessões em praças espalhadas por todas as regiões do Rio até agosto do ano que vem.
Ok, acho que pra começar, já ta bom, não?

O que mais eu ficar sabendo ou lembrar, ponho aqui.
Então, espero que todos aproveitemos muito o Festival. Vejam muitos filmes, debatam sempre que possível, aprendam e divirtam-se.

Filme novo de Coutinho continua os questionamentos

2009-09-10T18:26:00.000-07:00

Local: Um galpão de ensaios perdido em Belo Horizonte.

Tempo: 3 semanas.

Tema: As Três Irmãs, de Anton Tchecov.

Objetivo: ver até onde vai o processo de trabalho dos atores do Grupo Galpão, dirigidos por Enrique Diaz, com o texto escolhido.

Moscou, filme mais recente do já lendário Eduardo Coutinho, segue alguns dos padrões recorrentes em sua obra, como o estabelecimento de um espaço e um tempo para sua realização, e perpetua o interesse que iniciou mais abertamente em Jogo de Cena.

Neste, tínhamos uma certa investigação de ficção e realidade e seus tênues limites. Através do depoimento de várias mulheres - atrizes e pessoas comuns - que poderiam estar atuando ou não, recriando um discurso já dito ou não, desconstruía-se idéias pré-concebidas do que seria mais ou menos sincero, assim como a idéia de um documentário feito apenas de verdades e momentos espontâneos. A verdade estaria em quem fala ou no discurso? Há mais verdade numa atriz recriando um texto ou numa pessoa colocada na frente de uma câmera para contar sua história? Chega-se à conclusão de que essas barreiras são finas demais para serem determinadas e que talvez essa nem seja a questão mais importante.

Em Moscou, Coutinho leva isso adiante. Determina desde o começo que está trabalhando com um grupo de atores e que esses estarão recriando um texto de Tchecov. Acompanhamos então, o processo de criação, desde uma primeira reunião em que o dispositivo de filmagem é explicado, passando por exercícios, leituras do texto, ensaios e apresentações (por assim dizer), cujo espaço cênico se incorporava ao galpão e seus objetos. Ainda assim, por mais definidos que os espaços pareçam estar, há momentos em que nos perdemos no emaranhado de ficção e realidade.

“As Três Irmãs” gira em torno de uma família, a princípio composta pelas três: Olga, Irina e Masha e o irmão mais novo Andrey, que tiveram que se mudar de sua cidade natal, Moscou e agora, em meio à solidão e infelicidade de suas novas vidas nessa cidade do interior, relembram incessantemente um passado (idealizado) que era melhor e mais feliz e urgem por voltar. A forma de trabalho escolhida por Enrique Diaz é ligada à memória. Falar sobre uma lembrança forte do passado, admitir uma inquietude presente, criar uma história através de fotos, dentre outros exercícios.

Assisti ao filme um pouco tardiamente. Digo tardiamente porque, infelizmente, filmes brasileiros sem forte apelo comercial não se mantêm muito tempo em cartaz e, se muito, ficam pendurados na programação do circuito por um ou dois horários perdidos no mar do cinema mainstream. Mas antes tarde do que nunca!

Ouvi algumas opiniões e reparei que as pessoas se dividiram entre as que amaram e as que detestaram o filme. Então resolvi, como sempre acho que deve ser feito quando há polêmica, expectativas e dúvidas, ir conferir por mim mesma.

Mais uma vez, me imergi no universo libertário de Coutinho que expõe seu dispositivo desde o começo e desconstrói não só a linguagem do documentário, mas também, a do teatro agora. Isso, juntamente à inventividade de Enrique Diaz e ao talento dos atores, resultou num filme surpreendente.

Apesar de não ser sua preocupação central, não posso deixar de realçar o fato de “Moscou” ser uma (não) montagem de um texto teatral que funciona na linguagem cinematográfica, o que é inédito para mim. Filmar teatro é como tentar filmar uma partida de futebol para ser assistida depois (ou seja, uma partida de futebol filmada para gerar interesse a partir de si mesma). É difícil criar o ritmo certo, saber onde pôr a câmera, escolher os ângulos e os cortes. Entretanto, a mistura de diversos elementos como:

a desconstrução narrativa proposta pela montagem de Coutinho e Joana Berg, juntamente à discussão que geram em relação a linguagem documental,
a forma do grupo galpão, que vem desenvolvendo há 27 anos um teatro de pesquisa e tem como prática convidar diferentes diretores,
a proposta, já explorada pela Cia dos Atores (liderada por Enrique Diaz) de abrir o espaço cênico para que o espectador possa acompanhar os processos evolutivos de criação e a prática de incorporar objetos pessoais em cena,
o texto incrível de Tchecov,

- geram uma apropriação encantadora por parte deles e uma forte fruição poética, que pode vir a ser perturbadora e/ou deslumbrante nos espectadores.

Aproveitando a deixa para exemplificar tal apropriação, menciono dois momentos que se seguem formando uma combinação incrível! Um ensaio onde estão todos sentados em torno da mesa, exceto os dois em cena e presenciamos uma idéia sendo desenvolvida. E logo depois a realização desta idéia já com outros elementos incorporados, como a canção de Roberto Carlos e a escuridão.

Não posso falar sobre minhas impressões fora de meus próprios conhecimentos, então comento como alguém que já havia visto a peça. Digo isso, porque talvez eu tenha tido mais “facilidade” em identificar as cenas que estavam no texto ou não. Mas posso dizer que isso não diminuiu nem um pouco minha experiência e nem acho que essa fosse uma condição para o público alvo pretendido pelo filme. Creio que a discussão vai além da identificação de “verdade” ou “ficção”. Não há mais essa distinção, tudo é teatro, tudo é verdade e mentira. Assim como o documentário que nos propõe um dispositivo aberto, mas que claramente esconde informações ou provoca diferentes percepções através da edição e das escolhas de cenas que veremos na montagem final.

Nada é por acaso. As decisões de montagem, os planos em que o microfone e a câmera nos são mostradas, direcionando nosso olhar ou o fato das apresentações serem embrenhadas naquele espaço dúbio de ensaio e espetáculo, de camarim e palco fazem parte dessa criação coletiva, que nos leva a pensar e refletir conceitos enraizados.

Mais uma vez, o dispositivo está lá, assim como os jogos e os enganos, mas o importante não é o universo criado? Não são as sensações geradas a partir do que estamos vendo? Não é a história que está nos levando?

“Moscou” não te dá respostas, mas gera perguntas. Um filme sem finalidade determinada e sem forma fechada. Um documentário que cria, documenta e se reinventa, como não poderia deixar de ser.

Festival CineMúsica

2009-09-08T08:58:00.000-07:00

Saindo do Rio sexta feira, às duas da tarde, concomitantemente a vários cariocas ávidos por aproveitar o feriado prolongado e dar uma merecida escapadela, passando por Piraí, Barra do Piraí e outros enfim, a viagem de quatro horas me trouxe a Conservatória, cidade sede do Festival CineMúsica.

Em sua terceira edição, o Festival, mais uma vez, prestigiou e homenageou nomes importantes da história do som no cinema brasileiro, atual e de outrora. Nomes como Carlos de la Riva, Juarez Dagoberto e Ricardo Reis são alguns dos que figuraram os prêmios e homenagens da sessão de abertura na sexta feira à noite.

Além de cinema e música, o evento trouxe também, através da parceria com o Senac, um setor gastronômico com degustações e aulas de culinária abertas para o público.

A estrutura do festival contou com a sala de cinema itinerante CineTelaBrasil, montada no fim da rua principal, ao lado de vários barzinhos e uma charmosa praça; uma reprodução do Cinema Metro Tijuca com 60 lugares construída pelo cinéfilo delegado da cidade e entusiasta do CineMúsica, Ivo Raposo, e um palco na Praça Central, equipado com duas telas de tamanhos diferentes, onde as atividades de dança e apresentações se desenrolaram.

Conservatória não é uma cidade convencional. Conhecida como a capital mundial da seresta, a cidade turística é talvez a única que conheço que fecha durante a semana. Pousadas, lojas, comércio funcionam de sexta a segunda. Se você estiver querendo um lugar pra ficar entre terça e quinta, vai encontrar sérias dificuldades. Mas bizarrices de lado, o clima era de festa. Todas as sessões foram gratuitas e contaram com a participação de pessoas de todas as idades.

Hernani Heffner, curador da mostra, chama atenção para o fato deste ser o único festival nacional voltado ao universo do som no cinema, área muitas vezes negligenciada, escondida pelo glamour da fotografia, do roteiro ou da direção.

O som é um aspecto que muitas vezes passa despercebido pelos espectadores, exceto quando há problemas na exibição, na legibilidade dos diálogos, ou dessincronização. Dessa maneira, quando mais difuso e incorporado à narrativa, menos notado ele é. Em sua totalidade, desde ruídos imperceptíveis e foley à mixagem geral, dividida em múltiplos canais, a trilha acaba sendo vista como um simples acompanhamento e não uma segunda forma de expressão, que não só complementa, mas adiciona significado a linguagem visual. Ademais, muitas pessoas não entendem que a captação do som envolve um processo todo diferenciado da captação das imagens. Cada um depende de regras e tecnologias diferentes e seus técnicos passam por desafios diversos.

Não só esses quatro dias foram uma oportunidade de se assistir os filmes e pensar sobre o tema, como também de discutir e aprender através de debates e entrevistas.

Juarez Dagoberto, ganhador do Troféu Personalidade Sonora deste ano, técnico de som desde a década de 50 e ativo até hoje no mercado, nos contou um pouco sobre suas aventuras ao longo destes anos, incluindo uma experiência quase morte nas filmagens de Fitzcarraldo com o diretor alemão, Werner Herzog. Através de suas histórias pudemos conhecer um pouco mais sobre detalhes técnicos, a evolução nos processos de gravação e mixagem e mudanças estéticas, e desmistificar algumas fortes críticas ao som no nosso cinema. Nos revelou que a causa de problemas de abafamento do áudio, dentre outros, seriam as próprias salas de exibição, não bem equipadas ou com materiais envelhecidos e mal cuidados, não permitindo a melhor percepção possível do trabalho da equipe de som.

O filho de Carlos de la Riva também compareceu para nos relembrar a vida de seu pai, que mudou os rumos da qualidade do som no filme brasileiro.

“Chamar profissionais da área é algo muito pouco prestigiado. Essas são pessoas com ensinamentos técnicos e expressivos que nos permitem compreender os desafios de diferentes épocas e assim, também, os processos criativos desde antes até hoje. É uma forma de eternizar a vivência desses artistas com carreiras de dezenas de anos e uma oportunidade de sabermos não só detalhes técnicos como a história de filmagens e suas dificuldades”. Ruy Gardnier – Assistente e Auxiliar de Curadoria

Houve ainda uma discussão sobre o pólo de produção cinematográfica em Barra do Piraí e uma leitura seguida do lançamento do livro Nas Trilhas do Cinema Brasileiro, apegado de textos de oito estudiosos do ramo, que tentam esclarecer questões importantes e fazer uma cronologia da trilha no nosso cinema através das décadas.

Alguns dos pontos altos da programação foram a apresentação da Orquestra Sinfônica do Teatro Municipal, que lotou a praça central e fez muita gente dançar o baião das composições de Guerra Peixe; o documentário sobre a banda Mamonas Assassinas, que reuniu fãs e curiosos; o documentário emocionante sobre Arnaldo Baptista (Lóki) e as sessões infantis “Os Porralokinhas” e “O Grilo Feliz e os Insetos Gigantes”.

O mais recente documentário de Lírio Ferreira, “O Homem que Engarrafava Nuvens”, gerou deliciosas discussões e emocionou pela sua capacidade de abarcar grandes momentos de nossa cultura através do baião e da vida de Humberto Teixeira. Um filme que vale a pena ser visto quando estrear nas salas de cinema.

A programação completa pode ser encontrada no site: http://www.festivalcinemusica.com.br/

Este ano provou ser mais um ano de consolidação do Festival, que promete continuar e tentar melhorar cada vez mais, mostrando filmes de boa qualidade e trazendo a tona o tema do som, de forma tanto analítica como poética.

Serbis

2009-05-01T06:30:00.001-07:00

Filme filipino de 2008 dirigido por Brillante Mendoza, sobre uma família que ocupa um velho cinema no centro da cidade. Os membros da família: avó, mulher com filho e marido, um sobrinho com uma namorada grávida, outro sobrinho e uma filha adotada. Cada um tem uma função no andamento do cinema, seja como vendedor de comida, bilheteiro, pintor dos posteres ou projecionista.
Esteticamente, o filme é bruto, câmera na mão que acompanha os personagens. As imagens, por mais que demonstrem o estado deplorável dos personagens e do local onde estão situados, são compostas por um bom contraste, realçando as cores. A luz entrando constantemente pela parede e formando desenhos luminosos nas escadas do prédio cria um efeito interessante.
Serbis apresenta um retrato decrépito dessa família assim como da sociedade e do cinema como instituição artística. A avó que não admite o marido tê-la deixado e formado outra família, e por isso processa-o, a mãe que è apaixonada pelo primo, o primo que mantem encontros sexuais com um travesti apaixonado por ele e frequentador da sala de cinema, o sobrinho que tem uma namorada jovem grávida e a criança em meio a todo esse universo confuso e feio.
Cada um com seus problemas ajuda a compor o quadro dessa família decandente, que mantêm com muitas dificuldades uma única sala que ainda funciona das três antes existentes nesse cinema chamado Family, hoje, ironicamente, permitido apenas para maiores (teoricamente), devido ao seu conteúdo pornográfico, situado numa esquina tumultuada e movimentada do centro da cidade. O que vemos no filme são alguns momentos prévios ao que parece ser a queda desse “sistema” que ainda funciona, se è que pode-se dizer isso. Ou pior, apenas momentos deprimentes de hipocrisia que continuarão a se sustentar adinfinitum.
O entorno ajuda a compor o caos que presenciamos no interior. Muito barulho o tempo todo, como se estivéssemos diretamente expostos a rua, muitos carros, etc.
Na questão da sociedade a crítica vem sutilmente em cenas como um rapaz que finge ter tido o troco certo e logo depois usa a nota que, segundo ele, nunca teria recebido ou os valores morais estritos como o catolicismo que proibe a menina de abortar até uma mãe que vai buscar seu filho de 16 anos no cinema durante uma sessão.
O paralelo com o cinema vem do fato de hoje em dia tantas salas de rua estarem ou sendo fechadas ou transformadas em Igrejas (no caso do Brasil) ou como no filme, virarem centros de encontro para gays, prostitutas e sedentos por pornografia.
O cinema como arte não figura em lugar nenhum de Serbis. Este é um mercado, pura e simplesmente. Uma oportunidade para a família se sustentar, assim como uma moradia, um processo mecânico para o rapaz que faz a projeção, um abrigo para um bode que aparece do nada, uma fuga para um ladrão e um encontro de comércio de sexo.
Apesar dos aspectos interessantes mencionados, dos personagens e da originalidade do tema, não è sensacional. Talvez por ter achado um pouco superficial ainda, ou simplesmente pela visão pútrida que me incomoda, pessoalmente.

Manhattan

2009-05-01T04:29:00.000-07:00

Eu nunca me canso de ver Manhattan.
Ontem pela primeira vez tive a oportunidade de ver no cinema. O efeito foi o mesmo, mas melhor e maior.
Quase sempre corro para chegar nas seções porque saio em cima da hora de casa. Mas ontem, sabia que nao podia chegar nem 5 minutos atrasada, pois Manhattan não começa como a maioria dos filmes de Woody Allen. Não há uma introdução com os letreiros e uma musica de jazz contagiante para so depois a historia começar. Os primeiros cinco minutos de filme são essenciais, não so para entender o personagem como para entender o diretor. Vc pode ter ouvido falar da paixão de Woody Allen por nova york ou pode ja ter percebido em diversos de seus filmes, mas este nao tem comparação.
A combinação de seu texto incerto, repetido diversas vezes ate atingir a perfeição do sentido desejado com a fotografia preto e branco impecavel de Gordon Willis e a música sensacional e deliciosa de George Gershwin fazem uma mistura perfeita. Um dos melhores inicios de filme de todos os tempos, eu digo. Mesmo arriscando um certo exagero.
Dai, dessa introdução, ficamos sabendo do amor do personagem por sua cidade, que está escrevendo um livro e ainda alguns de seus valores como a nostalgia por um tempo em que nao havia tanta publicidade, televisao, videogame e varios outros sinais de uma nova era, da velocidade e das maquinas.
O filme segue para nos introduzir quatro personagens centrais do filme, que na realidade são quase todos os personagens que acompanharemos, com excessão de uma, elemento que vai mexer com a relação dos dois casais. Eu poderia falar sobre cada cena, ja que acho praticamente todas memoraveis, mas tentarei resumir minha admiração através de aspectos não tão detalhados.
Direi por exemplo que é um roteiro muito bem pensado, de forma a podermos acompanhar no ritmo certo o envolvimento dos personagens e o desenvolvimento de suas diferentes relações gostando e entendendo todos.
A fotografia, mais uma vez, é deslumbrante. Algo que se tornou comum em alguns de seus filmes e que aprecio bastante são as cenas de planos abertos que nos permitem uma visão geral, observando o movimento dos personagens enquanto ouvimos o diálogo. Seja no apartamento dele, enquanto desce a escada para ir ao encontro de Tracy, sentada lendo, ou quando Diane Keaton sai do taxi com Woody e os dois vao se aproximando da camera enquanto conversam, ou simplesmente a cena mais memoravel dos dois sentados num banco, as beiras do rio, de frente para a ponte do Brooklyn.
Outro elemento bem característico nesse filme são as cenas que começam por um plano de algo ligado aquilo que ouvimos, mas que ainda não nos dá todas as informações. Seja o plano contra plongé das arvores enquanto os dois andam de cavalo pela ruas de Nova Iorque, onde so depois vemos o casal sentado ou o plano detalhe do gravador de Woody enquanto este discursa sobre o que faz a vida valer a pena.
Os tons de preto e branco, cheios de cinza apresentam contraste moderado, não sendo nem sombrio, nem claro demais. Os planos são bem construidos, com enquadramentos interessantes e plasticamente bonitos. Simplicidades como uma sequência de telefones em perspectiva enquanto Isaac (personagem de Woody Allen) fala ou as persianas semi fechadas nos permitindo uma visão incompleta da cena por detrás ou Isaac e Tracy deitados na cama comendo comida pronta e vendo televisão.
No meio de tudo isso, há ainda espaço para ótima atuações, incluindo a linda Merryl Streep, diálogos engraçadíssimos e uma reflexão sobre a vida e relacionamentos. Sem esquecermos a trilha sonora super bem encaixada, composta por diversas canções de George Gershwin, onde encontramos clássicos como “Someone to watch over me” e “He loves, and she loves”. A trilha, além de criar um clima de fantasia e romance por si só, tem duplo efeito pelo fato de já ter aparecido em diversos musicais como Um americano em Paris ou Funny Face, gerando ainda uma nostalgia por um tempo em que Hollywood fazia tudo parecer mágico e belo.
As últimas cenas, desde Isaak falando para seu gravador, até ele correndo e encontrando Tracy e o pôr do sol em meio aos prédios novaiorquinos, ao som de Rhapsody in Blue igualam a importancia e maestria da abertura. Em poucos minutos Woody nos fala como a arte em suas diferentes formas (de Flaubert e Cezanne a Louis Armstrong e Grouxo Marx) são pequenas grandes distrações que fazem a vida valer apena em meio ao caos e sofrimento e ainda nos mostra uma menina de 18 anos dando uma lição em questão de amor, por mais brega que isso possa soar. “Not everybody gets corrupted, you need to have a little faith in people”.
É um filme íntimo, sensível e doce. Certamente estou deixando pra trás aspectos importantes , mas posso sempre rever Manhattan e descobrir coisas novas. Essa é a beleza do negócio.

As Pontes de Toulouse

2009-04-28T06:37:00.000-07:00

Mais Toulouse: Cidade Medieval Carcassone

2009-04-28T06:30:00.000-07:00

Aperitivos

2009-04-28T06:22:00.000-07:00

Na sexta feira a noite Daniel deu uma festinha de aperitivos na casa dele e varios de seua amigos apareceram. Aqui algumas fotos:

Toulouse - La ville Rose

2009-04-28T06:15:00.000-07:00

Bom dia!!! semana passada passei 4 dias em Toulouse, uma cidade na região Midi Pyrénées na França.
Fui muito bem recebida por Daniel, irmao de um professor meu e andei bastante. saimos toda noite, ouvimos musica alta no carro, conheci uma cidade medieval chamda Carcassone, conheci alguns Toulousianos, atravessei bonitas pontes e babei por causa de discos bons e baratos nas três lojas que descobri la.
algumas fotos pra vc:

Sábado pós Festa

2009-04-18T12:31:00.001-07:00

Bom dia!!!
hoje acordamos e ouvimos um pouco da rádio francesa aleatoriamente, o que acabou dando em eye of the tiger de Rocky. eu dei uma arrumada na casa, lavei a louça e recolhi todas as garrafas espalhadas. ficou bem menos por do que eu pensava. so vou ter que lavar o chão.
comemos o bolo que o Cláudio fez pra mim e saímos. depois de andar um pouco pelo Marrais, pegamos o 47 pra ir na Rue Mouffetard comer um daqueles crepes geniais do petit grec. passamos na casa da Ju. deopis num pequeno pub pra eles verem um jogo de futebol e eu resolvi passar em casa pq estava com muito frio.
Então vem a parte interessante. voltando de metro, na estação Place d'Italie, um rapaz com um violão entra no mesmo vagão que eu e começa a dizer: bonjour mesdames et monsieurs. je suis ravie que vous tous sont venues pour me voir... enfim dizendo coisas do tipo, obrigada por terem vindo ao meu show espero que vcs aproveitem, etc. tudo de modo muito bem humorado e divertido. ele tocou uma musica original dele, sempre dançando e passeando pelo vagão e interagindo com as crianças... ele fez uma pausa pra dizer obrigada as pessoas que estavam saindo e mais ainda as que estavam ficando pq obviamente era por estarem gostando de seu show. e disse que para agradecer faria uma dancinha. depois de acabar a música, passou o estojo do violão, que se chama mike, by the way, sempre sorrindo e contando piadas.
foi uma desses epidódios que me fazem ficar feliz. uma pessoa alegre que contagia as outras. duas mulheres ficaram rindo, um menininho ficou fazendo caretas engraçadas pra ele e uma menina que estava quieta e sobria adquiriu um ar de felicidade. seus labios aderiram aquela pequena curva de sorriso. muit bacana. ele se despediu izendo ate a proxima, provavelmente no olympia, estadio nde artistas dao concertos aqui. ou num proximo vagao... hehehe
yey!
agora vou me arrumar e ver se danço mais hj a noite com Ju, Mari, Sean e Julia.
Beijos

Livros Livres

2009-04-16T13:22:00.001-07:00

Das BOOT!!!!!

2009-04-16T13:17:00.001-07:00

Ainda Bruxelas um pouquinho...

2009-04-16T13:08:00.001-07:00

Vista da casa onde ficamos, Ju com a bota assim que terminamos de beber, Bruno e sua namorada, uma das muitas e fodas intervenções na rua e nós!

Roubado do orkut da Ju, ja que ate agora ao peguei as fotos com ela...

A LISTA

2009-04-16T12:54:00.000-07:00

Aqui vai a Lista de filmes dos quais achei os papeizinhos de entrada. Ao lado dos nomes esta o nome do cinema e a data. assim vcs podem ter uma idéia e eu posso nao esquecer a maioria dos filmes que assisti. tem muitas entradas faltando... vou ter que fazer um esforço um dia desses pra olhar as programações antigas e anotar os que eu lembrar, mas por enquanto é isso ai. a maioria esta em frances.... entao se quiserem saber que filme é coloquem no google. um dia desses traduzo tb, para quem tiver com preguiça de fazer isso hehehe
beijos!

Dia 13 de abril:
O Signo do Leão - Filmoteque - Eric Rohmer
Um bom Casamento – Filmoteque - Eric Rohmer
Nausicaa – Filmoteque - Hayio Myazaki
La journée de la jupe – Reflet

Dia 14 de abril:
Pauline na praia – Filmoteque - Eric Rohmer
O castelo encantado – Filmoteque - Hayio Myazaki
Madame Muir e o fantasma – Filmoteque - Joseph Mankiewitz
China (três partes) – Champo - Antonioni

Dia 15 de abril:
Le triple Agent – Filmoteque - Eric Rohmer
Laputa – Filmoteque - Hayio Myazaki
Ginger e Fred – Filmoteque - Federico Fellini
Rachel se marie – L’Arlequin - Jonathan Denme

Morceaux de conversations avec Godard – Reflet – 19/02/09
Weekend – Filmoteque – 19/02/09
Bande a part – Filmoteque – 18/02/09
I vitelloni – Filmoteque – 06/04/09
Doute – Les 3 Louxembourg – 24/03/09
Gerry – Nouveau Latina – 06/03/09
Barton Fink – Filmoteque – 16/12/08
Fury – Filmoteque -19/12/08
Glasgow 02/02/09 – the wrestler. Nick and norah’s playlist. Slumdog millionaire
Noite dos mortos vivos - Acattone
Pineapple express – UGC – 03/12/08
Tropic Thunder – Entrepot - 22/11/08
007 - UGC
Regras do jogo – Filmoteque – 25/11/08
Rebelde sem causa – Cinemateque – 30/11/08
Je vous salue Marie – Cinemateque
Macadam Cowboy – Champo – 22/12/08
Mystery Train – Filmoteque - 22/12/08
Blood Simple – Champo – 10/12/08
Metropolis – Filmoteque – 22/12/08
La dolce Vita – Reflet – 13/12/08
Histoires du cinema et made in usa – dormi – filmoteque
Watchmen – UGC - 09/03/09
Largo Winch – UGC – 21/01/09
Harvey Milk – Grand Action – 22/03/09
Che 1a e 2a partes – Grand Action – 22/03/09
Rocky Horror picture show – Studio Galande - 26/09/08
My brother’s wedding – Espace saint michel - 16/03/09
Amarcord – Reflet – 19/12/08
Ghost Dog – Filmoteque – 21/12/08
A duquesa – Le Racine – 21/12/08
L’échange – Studio Galande – 22/02/09
Une femme est une femme – grand action – 18/11/08
Oh brother, ... – Champo – 04/03/09
Os filhos de esperança – MK2 – 06/12/08
Les cendres du temps – Les 3 Luxembourg – 05/10/08
Babel – Cinemateque – 18/03/09
Annie Hall – Filmoteque – 08/11/08
Voyage surprise – Champo – 03/11/08
De l’influence des rayons... – Filmoteque – 08/11/08
La belle personne – Les 3 Luxembourg – 26/10/08
MASH – MK2 – 26/10/08
Visiteurs du soir – Champo – 11/11/08
Lumiere d’ete – Champo – 16/11/08
Parlez moi de la pluie – Studio Galande – 13/11/08
Nanouk l’esquimau – Le Balzac – 30/09/08
Gran Torino – UGC – 27/02/09
Benjamin Button – UGC – 10/02/09
Last Chance for love – UGC – 16/03/09
Une famille bresilienne – UGC – 18/03/09
Two Lovers – UGC – 19/11/08
Synecdoche – MK2 beaubourg – 01/04/09
Amor a flor da pele – Action écoles
La frontiere de l’aube – Le Saint Germain – 27/10/08
Voyage au paradis – Grand Action – 22/12/08
Fenetre sur cour – Grand Action - 31/10/08
As desaventuras de Harry Lloyd – Grand Action
Irmãos Marx – A night at the opera – Champo
Duck soup – Filmoteque – 28/08/08
Lad Vengeance - Nouveau Latina – 21/03/09
Lola Montes – L’Arlequin – 08/12/08
L’homme de Londres – L’Arlequin – 01/11/08
Animal Love – Reflet – 29/03/09
Le mecano de la general – Reflet – 23/03/09
Let’s get lost – Reflet – 09/09/08
Laura – Reflet – 07/04/09
Les 400 coups – Reflet – 11/12/08
Je suis de Titov Telles – Reflet – 27/03/09
Apocalipse Now – Reflet – 26/03/09
Phillipe Garrel Les 3 luxembourg – Hautes Solitudes. Liberté la nuit. Cicatrice Interne. Marie pour memoire. Mes copains (Louis Garrel)
Vicky Cristina Barcelona - Les 3 luxembourg – 16/11/08
Les nuits de Cabiria – Filmoteque – 07/04/09
Stardust Memories – Filmoteque – 16/10/08
Femme au port – Filmoteque -15/11/08
Alice – Filmoteque – 12/11/08
Ange des maudites – Filmoteque – 16/11/08
Une nuiT a L – Champo – 29/12/08
Les disparus de St Argil – Champo – 31/10/08
Mayerling – Champo – 22/03/09
Eclipse, La nuit, Zabriskie point – Champo – 09/11/08
Madame De – Champo - 29/03/09
Enchainés – Champo – 12/10/08
L’inconnue de l’orient express – Champo – 06/04/09
La maison du docteur edwards – Champo
L’homme qui n’etait pas la – Champo - 23/03/09
Portes de l’angoisse – Champo – 03/11/08
Fargo – Champo – 12/12/08
Antonio das mortes – Champo -10/12/08
La ronde – Champo – 06/04/09
Shirin – Cinemateque – 15/12/08
Lifeboat – Cinemateque – 31/10/08
L’amour – Cinemateque – 09/11/08
La chair de l’orchidée – Cinemateque – 01/10/08
Le combat dans l’ile – Cinemateque – 02/10/08
Les trois ages – Cinemateque – 08/04/09
Le pont n’est plus la – Cinemateque – 29/09/08
Burn after reading - UGC
Eden a l’ouest - MK2
Gomorra - UGC
L’argent - Le Pantheon
Doctor strangelove - Action Écoles
Shining - Filmoteque
Eyes wide shut - Filmoteque
Le plaisir - Champo
Lettre d'une inconnu - Action christine
Models - Reflet

130 filmes mais ou menos, dos que tenho papel anotado.

Filmes em Paris

2009-04-12T04:36:00.000-07:00

Bom dia!
tive uma idéia hj de manhã. tenho muitas das entradas que usei pra ir ao cinema aqui. deve ter mais entradas do que as que consegui recolher, mas ja é bastante. como posso perder ou esquecer onde enfiei essas entradas, resolvi escrever todas elas aqui. assim, divido com vcs meu percurso cinematografico (ou grande parte dele) e mantenho um registro.
mas o farei mais tarde, pois agora é hora de sair.

Bruxelas atualizado

2009-04-12T04:35:00.000-07:00

Como pude esquecer!??
fim de semana passado fui com Julianna pra Bruxelas! foi muito bom!!! mas ela que tirou as fotos, entao hj, se der, pego algumas pra por aqui e aproveito e comento o que fizemos lá.
beijos

agora com uma foto ou outra. =D

Lava a roupa

2009-04-12T04:10:00.000-07:00

Hoje, dia de Pascoa, tb foi dia de lavar roupa.
Para resumir os últimos eventos...
Essa semana fiquei desesperada tentando pensar e resolver as viagens que pretendo fazer antes das ferias de julho. Tem alguns lugares que gostaria de ir por agora e estava quebrando a cabeça pra nã gastar muito dinheiro, não faltar aulas nem trabalho. Foi dificil, mas acabei decidindo. Fico sempre chateada com gastar dinheiro. ainda mais que aqui é que nem no brasil: é mais caro viajar por dentro de Paris do que pra fora. Vou gastar mais indo pra Toulouse que pra Vienna!!!
Outra coisa é que tenho passado bastante tempo com a Julianna e ela tem me dado aulas de futebol. heheh to começando a entender melhor os termos e a paixão pelo esporte os homenzinhos correndo atrás da bola. Ela é o máximo! acho que estaria bem mais solitária se não fosse ela.
Claudio, que estava morando aqui, foi embora. e ele é sumido, então acabo nem encontrando-o mais direito.
o tempo está ficando cada vez melhor. As árvores floridas, o céu azul e essas coisas que acontecem na primavera.
Tenho visto vários filmes como sempre, mas essa semana foi meio fraca... ou fiquei com preguiça ou estava na frente do computador matutando em busca de soluções pras viagens.
Tenho andado mais pela cidade, descobrindo ligações entre bairros que até hj nao conhecia heheh
Outra super noticia é que vou pra Cannes!!! consegui uma credencial pela faculdade para assistir os filmes de graça (espero que nao tenha nenhuma taxa...) no Festival de Cannes!!!!!
tava preocupada com estadia, mas consegui um lugar pra ficar através de couchsurfing.
Estou olhando livros e mais livros que sei que vou querer levar pro Brasil, mas nao sei como e em que mala...
que mais? que mais?
ah! hj vou na casa da Ju comer moqueca de peixe que ela vai preparar. esperamos que fique bom hehe e eu devo fazer um bolo de chocolate. nada demais, mas já é alguma coisa de chocolate pelo menos. e mais tarde, quando for mais cedo ai, vamos assistir pela internet o jogo Fla Flu. estarei com ela e Mariana, uma amiga dela, duas fervorosas torcedoras do Fluminense. acho que vai ser uma experiência interessante... hihihi
esse post foi meio all over the place né? é que deixei de escrever por tanto tempo que acabei me perdendo... mas acho que contei os fatos mais importantes não? ah sim! minha faculdade ainda estéa em greve, mas alguns professores ainda dão aula. estou seguindo duas aulas toda semana e outras três menos frequentemente.
saudades de muitos amigos.
esses dias falei com o Gustavo Barreto. pra quem nao conhece, ele é jornalista e editor de um site na internet super legal: consciencia.net
quando estava no Rio, escrevia criticas de cinema, mas agora que estou aqui parei. o que não faz nenhum sentindo, visto que vejo ainda mais filmes!!! mas tranquilo, pretendo mudar essa situação. vou voltar a escrever minhas criticas/cronicas, desde logo pra estar pronta pra escrever de Cannes =)
vou indo la. tenho que sair logo pra ajudar a Ju a preparar as coisas.
muitos beijos pra todos e FELIZ PASCOA!!!! muito chocolate!!!!!!!!!!

TPM

2009-04-09T16:19:00.001-07:00

Hoje pensei em tudo que nao fiz. em todos os amigos que nao conheci. em todos os trabalhos que nao experimentei. em todos os locais escondidos que nao desvendei. pensei na minha incapacidade de ser mil mais um ao mesmo tempo. na minha improbabilidade de dormir tarde e acordar cedo, para ser eficiente as sete da manha. pensei na impotencia diante ao tempo. e como o presente é sempre um passado, mesmo que logo ao lado. um instante impossivel de ser capturado. um quase. estou rodeada de quases. vivo momentos felizes, mas sei que ha outros mais de outras formas que poderiam se realizar, mas nao acontecem. Borges Borges...
e enquanto meu labirinto de possibilidades irrealizaveis se constroi no imaginario, os minutos passam e o grande relogio deixa cair um quatro onde antes era um tres.
e assim, mais um dia se passa, mais uma noite de quase arrependimentos. e mais um dia de ilusoes de nunca é tarde demais começa.

Eu

2009-03-24T09:36:00.000-07:00

Um bom dia. Um dia de sol.

Nós de novo

2009-03-24T09:29:00.001-07:00

Matisse e outros

2009-03-24T09:22:00.000-07:00

Bom diaaaaaa
algumas fotos a mais do museu, com Matisse e um desenho lindo figurando e fotos dos meus amiguinhos mais presentes na minha vida nos ultimos tempos: Elena, Claudio e Julianna. Adoro eles!!!!

Seraphine

2009-03-24T09:09:00.000-07:00

Fotos de alguns dos quadros de Seraphine. pra quem nao conhece sua historia nem ouviu falar do filme, é uma mulher que morava no campo, uma empregada que começou a pintar quadros de flores e árvores até um dia ser descoberta como um verdadeiro talento bruto e levada pra cidade. mais tarde ficou louca...

Exposiçao no Museu Maillol

2009-03-24T08:44:00.000-07:00

Bom dia pessoas!!! no ultimo sabado agora, fui ao museu Maillol, no septieme pra dar uma olhada na exposição da vanguarda russa que tava tendo e acabei esbarrando numa outra exposição muito boa das pibturas feitas por Seraphine, personagem recente de um filme frances. Além tb de ter visto alguns desenhos de Matisse, fenomenais.
vou dividir um pouco com vcs =)

Nas fotos: Eu, Claudio e Marie Therese, uma senhora super fofa que ficou conversando conosco, cartazes publicitarios russos demonstrando como a arte era usada nessa época e nesse contexto no dia a dia da sociedade, Ivan Koudriashov e dois outros que nao lembro o nome, mas vou descobrir.

algumas fotos. glasgow

2009-03-20T17:25:00.000-07:00

London calling

2009-03-02T03:45:00.000-08:00

Bom dia! algumas fotos de londres. 1. os simbolos londrinos reinidos numa foto so. 2. finalmente a face de van gogh verdadeira na minha frente. 3.duas maças um pouco dferentes em tempo real 4.o tate modern 5.Jande no metro num plano quaaaase wes andersoniano

Passeata de Greve a favor dos direitos estudantis e professores

2009-02-26T13:22:00.000-08:00

Bom dia!!!
hj fui na minha segunda passeata aqui em Paris. como a primeira não levei maquina nessa segunda fui preparada e tirei algumas fotos bacanas.
daqui a pouco vou comer um prato de couscous com muitas coisas saudaveis e meio nojentas, mas espero que fique bom. é o claudio que ta preparando.

Edinburgh - Camera Escura

2009-02-21T17:58:00.000-08:00

Edinburgh - Cervejas, Pub, Bogart, Eu e Jande

2009-02-21T16:47:00.000-08:00

Edinburgh - Castelo, Scott, Stephen e Ollie, Escadas e Espadas

2009-02-21T16:38:00.000-08:00

Mais Dublin

2009-02-21T16:31:00.000-08:00

Dublin - Joyce, Peter, Ponte, Casa Ecologica, Hostel esquisito do primeiro dia...

2009-02-18T04:16:00.001-08:00

Nem gostei muito de Dublin... num sei,o clima da cidade nao é muito amigável...
de qualquer forma, gostei de descobrir mais sobre alguns escritores que gosto muito, no museu dos escritores, me diverti num comedy club e adorei o casal do Couchsurfing que nos acolheu. sensacional!!! Glenda e Peter. e claro, o cachorrinho muito fofo.

Beatles

2009-02-18T03:50:00.000-08:00

Bom diaaaaaa! como nao poderia deixar de ser, algumas fotos relacionadas aos Beatles, ja que estava na cidade onde tudo começou.

Haggies Day!!!

2009-02-18T03:31:00.000-08:00

No dia que a escocia comemora o dia de Robert Burns, um de seus maiores poetas, esse bar super fofo dirigido por uma saudosa escocesa resolveu comemorar tb. =) e eu e jande estavamos la, claro!!!!!
muita musica, com piano e violino, muita dança, muita poesia, muito haggies (comida tradicional escocesa) e um pouco de whisky original. fuck yeaaaaaah! heheh
filmei um pouco tb, depois mostro.
foi la que conheci Yoel e Clair, os dois da foto ali embaixo. muito fofos!! ele me deu um sleeping bag e ela me deu varias dicas de fotografia e um convite pra uma proxima estadia em Liverpool.
o resto da galera era lindo!! Jack, Laura, Jez, Mina, etc!!
penultimo dia em Liverpool, muito bem aproveitado.

Pessoas de Liverpool

2009-02-18T02:40:00.001-08:00

Liverpool

2009-02-18T02:36:00.000-08:00

Rua onde fiquei em Liverpool.

De volta a Paris

2009-02-17T13:43:00.000-08:00

Bom dia pessoas
que saudade de voltar de viagem e ter uma galera pra ver, abraçar, pra sair e conversar... aiai...
mas enfim, a viagem foi fodaaaaaaaa!!!
claro, teve seus ups and downs, momentos de crise e dificuldades, mas considerando tudo foi sensacional e vou guardar lembranças fenomenais. Jande foi a melhor companhia possivel =)
entao vou tentar por algumas fotos aqui. de cada local visitado.
nao sei se escreverei muito, mas quero mante-los informados por imagens.
beijos e saudades
Quel

so pra dizer

2009-01-29T01:20:00.001-08:00

... que ta tudo bem.
=)
minha viagem esta sendo fantastica, cada lugar tem algo ou alguem especial que faz tudo valer a pena.
muuuita coisa pra dizer, estou tentando manter um diario. espero que de certo. quando tiver um alone time com a inernet, escrevo.
beijos pessoas.
e liverpool e irado!!!!!!!!!!

o dia seguinte...

2009-01-17T14:53:00.000-08:00

eu na festa =)

2009-01-17T14:40:00.000-08:00

Festinha aqui em casa de despedida da Clarissa e aniversário da Elena

2009-01-17T14:31:00.000-08:00

ok, eu bebi demais nessa festa... eu tava muito feliz e eufórica heheh mas acabei misturando. mas tranquilo. não passei mal nem nada. só na festa, mas rapido e depois fiquei bem =) no dia seguinte a casa estava lamentavel heheh tb, mais de 30 pessoas aqui em casa. como??? nem me pergunte... hehehe Clarissa veio ajudar a limpar no dia seguinte e logo logo ficou tudo tinindo

mas mesmo tendo ido dormir cedo a festa foi muito boa. há de haver outras.

Musée d'Orsay

2009-01-17T14:11:00.000-08:00

Bom dia.

quinta feira agora, alguns dias antes da volta da mamãe, fomos no museu Orsay. foi engraçado, pq eles deram um alarme, alerta falso que ficou mandando as pessoas se dirigirem as saidas de um jeito bem escandaloso. minha mãe ficou tensa... tadinha. mas depois de uns minutos, parou.

só vi praticamente as exposições momentâneas, pq demoro olhando... tinha uma de pastéis, outra de Picasso e Manet (petit dejeuner sur l'herbe) e outra de mascaras (nada demais....)

ah sim! no dia anterior, teve despedida da Clarissa, então fui encontrar ela e o pessoal num bar Orange Mecanique. em Oberkampf. bacana. 3 euros a tequila hehe

mas fechou cedo, uma e meia... andamos em direção ao onibus noturno, mas alguns bebados e outros só querendo dançar, paramos na frente de um lugar que estava com luzes acesas e música tocando. depois de alguns minutos, nos convidaram a entrar. era um restaurante sérvio (ex ioguslavio) onde eles estavam comemorando o ano novo dele. nos deram uma bebida tipica do seu país. bem gostosa. mistura de vodka com cachaça... ou algo do genero. dançamos muito com eles!! hehehe depois de uma hora e pouca fomos embora, deixando os com saudades e convites pra voltarmos outro dia. Claudio e eu fomos pegar o onibus noturno. demorou uma hora e meia mais ou menos pra chegarmos aqui em casa. dormimos e ai sim foi quinta feira. e quinta feira a noite foi a vez de ir na casa da Marina encontrar o pessoal do grupo e ver nosso curta pronto. ta liiiindo!!!! heheh adorei. mesmo com vergonha da minha atuação hehe

eles tão dizendo que vao escrever um papel pra mim no próximo aiai....

beijos!

Musée Grevin

2009-01-17T14:00:00.000-08:00

Bom dia! então. outro dia. fomos no musée Grevin. aquele que em as pessoas famosas paradas no tempo. tipo Harry Potter. (ahn?)

nada demais.... lembrava de ter adorado quando era criança. mas tinha um show de sombras e um lugar com espelhos irado! num tem mais nada disso.... poxa

ao lado tem uma galeria com antiguidades e uma loja de miniaturas. bem bacana.

choveu. comemos no Pomme de Pain. bem gostoso. sanduiche de salmao. yum yum

depois, trabalho.

2009-01-17T13:54:00.000-08:00

De volta em Paris - Dia do Marais

2009-01-17T13:08:00.000-08:00

Bom dia!!!! então, faz uma semana já, então não vou lembrar exatamente as datas de tudo, mas sei que quarta feira da outra semana, dia 8, fomos no Marais, bairro da minha tia avó. Fomos lá procurar bota no sold pra minha mãe, ver a casa européia da fotografia. Antes disso, de manhã, demos uma passada no Grand Palais. Visto que era extremamente caro pra ver as exposições... resolvemos ver só a do Petit Palais: desenhos e esboços do Akira Kurossawa. fenomenal...

ele desenhava muito bem! e usava cores lindas! tinha uma coisa meio impressionista mas com o estilo oriental. me ensinou várias coisas de perspectiva que preciso por em prática quando começar a desenhar. para ele, era necessário ver as cenas na sua cabeça, com posições de câmera, número de pessoas etc pra depois poder filmar. enfim... parece óbvio, mas não é assim comigo e com ele é beeem preciso tb. anotei algumas coisas e fiz uns esboços pra lembrar tb, ja que é proibido fotografar. de lá sim, fomos de metro a Saint Paul.

com fome, procuramos um lugarzinho bacana e bonmarché pra comer. achamos uma brasserie muito fofa: les mousquetaires.

comemos um sanduíche aberto com queijo derretido, presunto, salada e temperinhos

gostosos. o rapaz que servia era muito simpático. parecia ser um local onde a família toda

trabalhava. mulher e filhos jovens que iam aprendendo o serviço. clientes cotidianos que vem

e vão. tomar seus drinques ou suas cervejas de cada dia. pagam, dão até logo "a demain".

uma mulher atrás de nossa mesa. solitária, loira, arrumada, mas nem tanto quanto gostaria

parecer. uma decoração super interessante. tiramos boas fotos lá.

de lá, fotos. quase entrando e pagando, a recepcionista nos disse

"si vous attendez un quart d'heure, ça sera gratuit".

eu leio ao lado num canto os horarios e as tarifas => quartas depois das 17 é de graça.

esperamos dar o horário e entramos.

vimos algumas exposições. uma das que mais gostei foi Sabine Weiss. uma fotógrafa que

tem tanto fotos jornalísticas, quanto pessoais. viajou o mundo todo. tem um olhar sensível.

uma das melhores fotos é um homem no meio da neblina indo em direção a uma luz.

dá muito uma sensação de liberdade.

outra expo muito boa é de dois caras, Mc Dermott and Mc Dough. dois caras dos anos 50, 60,

amigos de gente como Andy Warhol que resolveram que não queria fazer parte do seu tempo.

Começaram uma série de fotografias com temas e técnicas antigas feitas em máquinas antigas.

o resultado é impressionante. muito convincente. uma série sensacional é de fotos que eles

fizeram pra ilustrar uma feira de ciência teoricamente de 1800 e pouco. hehehe

de lá, num lembro. de qualquer forma, esse foi o grosso do dia.

beijos

Dia 6 - dia de voltar =(

2009-01-10T16:02:00.000-08:00

acordamos meio tarde... fomos na cidade só pra comer. escolhemos um restaurante que a Bá sugeriu, mas fomos na area de restaurante. que era extremamente cara e chique... choveu forte até granizo! fomos direto pra rodoviária pegar o onibus em uma hora e meia...

onibus, aeroporto, aviao, onibus, parada pq um menino vomitou do lado da minha mae, onibus e metro. meia noite e pouco chegamos aqui em casa. cansaaaadas...

Dia 5 - pArC GüEL

2009-01-10T15:36:00.000-08:00

segunda feira. todos os museus estão fechados. o que fazer?

ir a um parque!!

fomos no parc Guel! onde Gaudí morou um tempo e construiu muitas coisas lindas com pedras, no seu estilo de imitar a natureza. lá isso ficou ainda mais interessante, visto que as "obras" dele se misturaram no meio. pilastres que parecem árvores, seu famoso lagarto numa fonte d'água, etc.

passamos a manhã lá. saímos, minha mãe comprou algumas lembrancinhas na lojinha e fomos comer. fomos no bairro gótico, de lá e eu estava de mau humor...

acho que era porque ainda não tinha comido algo gostoso... e talvez tpm também... hehehe sei lá. olhamos uma Igreja, a Catedral de Barcelona. eles estão em construção, mas dá pra entrar pq tem um espaço no meio da construção, algo como um jardim com laguinho e gansos hehe

de lá, fomos comer uns sanduíches gostosos no Bocatta. dei uma cochilada e quando acordei estava com as bochechas vermelhinhas =)

descemos uma rua cheia de lojas e paramos em cada uma delas heheh

roupas, sapatos e uma de desenho, onde comprei carvão e pastel pra ver se começo a desenhar... atiçar meu lado artístico.

finalmente, uma loja de balas, onde comprei aquelas minhocas coloridas

fomos num lugar recomendado pelo albergue. La Champañeria. a principio tava muito cheio, entao bebemos uma cerveja num outro bar ali perto. depois eu pensei. "não. parece muito bom aquele lugar."

voltamos lá e comemos sanduíches deliciosos e baratos acompanhados por tacinhas de champagne fenomenais!!! total recomendo =)

voltamos pra casa e ficamos hooooras conversando com a galera lá no albergue.

2009-01-10T15:30:00.000-08:00

DiA 4 - piCaSso

2009-01-10T14:59:00.000-08:00

Bom diaaaaa

domingo, acordamos e fomos ver o Picasso!! era de graça, primeiro domingo do mês. =)

tinha uma exposição especial sobre ele e suas pinturas de natureza morta. bem bacana. ele e sua obsessão por guitarras hehe

depois vimos o museu normal, que é dividido em ordem cronológica e por fases. bem legal! e foi o primeiro museu

sobre o picasso a ser aberto enquanto ele ainda estava vivo. Início com retratos que pintou de seu pai e sua mãe, pinturas "normais", realistas, paisagens de seu ambiente familiar - fase boêmia em Paris com bastante influência de Toulouse Lautrec - fase pontilista - fase azul, depois que leu românticos... poetas... Baudelaire e Rimbaud e pensou que a arte verdadeira teria que mostrar o sofrimento, uma das sensações mais reais que existem, e a cor azul sendo considerada melancólica, sombria, noturna e mais próxima desse tipo de sentimento, foi a direção escolhida por ele - fase rosa - estudo do quadro "As meninas" do Velasquez - cerâmica - serigrafia... Foda!

saindo de lá, comemos num restaurante um arroz mais ou menos que nos foi cobrado caro malandramente. tava dizendo que era pra dois, mas nao que o preço do menu era individual...

tentamos ir no Museu de arte contemporânea, mas estava fechado. e o cccb nem tinha exposições interessantes... Passamos tb pelo Palau da música, mas 1, era caro pra visitar e 2, tinha concerto naquele dia. então só tirei fotos proibidas, as usual hihihhi

depois, ficamos pelas Ramblas, olhamos a FNAC, uma loja de objetos irados! tipo pó que da coceira, chiclete que deixa com cor, bolsa de peido, etc.

passamos no mercado e compramos chocolate e Sunny D!!! 100 por cento vitamina C hahaha

voltamos pro Albergue encontramos o casal californiano falando com um brasileiro e um colombiano. ficamos um tempo ali na varanda, mas estava muito frio. resolvemos jogar Pictionnary. IRADO!!! hahaha cada um tinha um jeito sensacional de pensar e de desenhar as palavras. Alex, em particular era fantástico!! muito engraçado o jeito que a mente dele funciona. hahah

tres da matina, fui dormir. =)

só mais algumas...

2009-01-10T14:39:00.001-08:00

mais fotos....

2009-01-10T14:30:00.001-08:00

Fotos Museo Arte Catalã

2009-01-10T14:14:00.000-08:00

Dia 3 - Miró

2009-01-08T14:15:00.000-08:00

Bom dia pessoas!!

então, sábado foi dia de acordar, tomar café na padaria (onde parece que toda a vizinhança se encontra pra tomar café) e ir pro Parque Montjuic, onde fica a Fondación Miró. meia hora de fila, maior esporte conhecido pelos turistas, e entramos. fizemos uma coisa lá que vale super a pena se vc compra inteira pra entrar nos lugares. um passe chamado articket. com ele, vc vai a sete museus ou atrações turísticas, razoavelmente famosos e bacanas: as pedreiras, picasso, miró, museu de arte catalã, museu de arte contemporânea, fundação Tapiés e CCCB. e ainda fura a fila yeeeey

de qualquer forma. entramos e vimos primeiramente uma exposição super bacana sobre os artistas americanos do inicio de século que se inspiraram nas vanguardas européias. bem bacana. tirei umas fotos até descobrir que era proibido e depois fiquei gravando com meu gravadorzinho o que pensava das obras mais interessantes.

depois, lá fomos nós pro Miró. bizarro... muito foda!!! eles mostram mais ou menos numa ordem. as obras gigantes dele, feiras com tecidos e guarda chuvas e marcas de mão feitas com tinta, etc. depois os primeiros trabalhos dele, que como todo bom artista quase, começou meio normalzinho... inspirado no impressionismo, algumas pinturas lembrando Cezanne, etc. até que leu Rimbaud e Baudelaire e ficou deprimido hehehe tô zoando... mas realmente chegou uma época em que ele se mudou pra Paris e ficou morando com poetas e pintores e começou a desenvolver uma forma própria de pintar, uma linguagem própria. resolveu simplificar as formas e achar maneiras de fazer pessoas ou seja lá o que quisesse representar quase como uma criança. criou certos símbolos que fizeram parte de suas pinturas até os últimos dias de sua vida, em 1983. as estrelas, a mulher, os pássaros eram alguns dos principais elementos usados por Miró. ele fez tb um conjunto de quadros intitulados constelação. bem bacana.

enfim... uma das coisas que mais me impressionou é a falsa simplicidade com que ele desenha. essa sensação de "qualquer criança pode fazer isso", mas que ahn ahn... de jeito nenhum. o constante uso das cores primárias, que mesmo quando ele simplesmente pincela ou borrifa em pequenos locais de um quadro cheios de pinceladas e riscos negros deixam o quadro todo colorido, magicamente. essas bolas coloridas perfeitamente pintadas em apenas um tom. esses riscos pretos e formas contínuas em que não conseguimos perceber o início ou o fim, tão bem pincelados. a escolha dos símbolos, líricos. as esculturas divertidas e cheias de senso de humor. alguns personagens de uma certa fase que me lembraram desenhos do cangaço....

muita coisa foda a se apreciar.

de lá fomos no museu de arte catalã, que fica num castelo bem bonito, tb no parque montjuic. olhamos bastante coisa, mas muitas meio chatas. obras do período gótico, romântico (curiosamente parecidos um com o outro), barroco e moderno. a parte mais interessante foi o moderno. com algumas pinturas tb de picasso, dalí, etc. lá podia tirar fotos, então espero que vcs tb gostem das que eu fotografei =)

exaustas, mais uma vez, com os pés doendo e debaixo de chuva pensamos... cultura cansa né?

fomos pro centro e comemos num lugar com massas. fomos muuuito mal atendidas por um careca chato. minha mãe comeu uma pizza gostosa e eu uma lasanha mais ou menos. acho que Sadia é melhor. um casal fofo na nossa frente foi o auge do jantar. muito fofos, trocando olhares que pareciam dizer "esse garçon é muito antipático, como pode?", mas sorrindo. passaram um cremesinho que limpa as mãos e depois rezaram antes de comer uma comida toda chique (no meu ponto de vista): tomates com queijo no meio e sopa. hehehe

de lá voltamos pro albergue, mas antes de dormir, fui convidada pra conversar com um casal californiano muito legal! Alex e Hailey. ficamos conversando até uma e pouca e então fui dormir.

beijos!